القصة

النحت اليوناني - موقعنا

النحت اليوناني - موقعنا


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

>

استوحى النحت اليوناني من 800 إلى 300 قبل الميلاد الإلهام المبكر من الفن الأثري المصري والشرق الأدنى ، وتطور على مر القرون إلى رؤية يونانية فريدة للشكل الفني. وصل الفنانون اليونانيون إلى ذروة التميز الفني الذي استحوذ على الشكل البشري بطريقة لم يسبق لها مثيل وتم نسخها كثيرًا.

موقعنا
www.ancient.eu


أفضل 15 منحوتات يونانية قديمة مشهورة

الرائع التماثيل اليونانية القديمة هي واحدة من المساهمات العديدة التي قدمها هذا السباق العظيم للبشرية. بصرف النظر عن كونهم محاربين عظماء وفلاسفة وعلماء وشعراء ، كان الإغريق القدماء فنانين ورسامين بارعين أيضًا. تمثل المنحوتات اليونانية أعمالًا فنية رائعة وتجعل الجميع يتفاجأ من كيف يمكن للفنانين القدامى تخيل صناعة مثل هذه التحف الرائعة التي استحوذت على كل جانب من جوانب جسم الإنسان بشكل جميل للغاية؟ من الحجر والبرونز إلى الطين ، أنتج النحاتون اليونانيون روائع سنناقشها بالتفصيل أدناه.

1. منحوتات لاكون وأبنائه

لا يمكن فهم الفن اليوناني القديم ما لم نذكر التمثال الشهير للاكون وأبنائه. يعد هذا التمثال من أشهر التماثيل اليونانية المعروفة باسم مجموعة لاكون. تم صنعه من الرخام ويظهر كاهنًا من أصل طروادة مع أبنائه. أسماء الأبناء هي على التوالي Thymbraeus و Antiphantes. يُظهر التمثال لاكون وأبنائه يقاتلون ثعابين البحر. تم صنعه من قبل نحاتين عظماء وموهوبين ينتمون إلى جزيرة رودس.

2. نحت ديادومينوس

تم إنشاء هذا التمثال بشكل رائع من قبل النحات اليوناني الشهير من أرغوس ، بوليكليتوس ، وهو أحد أعظم الأعمال التي يعود تاريخها إلى العصور القديمة. يُظهر التمثال شابًا منتصرًا مربوطًا حول رأسه ، وهي شريحة كان يرتديها عادةً الفائز في مسابقة رياضية. تم العثور على هذا التمثال في جزيرة ديلوس ويعود تاريخه إلى القرن الأول الميلادي. يبتلع الشكل أي شخص لديه إحساس قوي بالشكل البشري. الجسد العاري المتناسب لهذا الرجل مع وقفة فريدة تجعل المشاهدين يقعون في حب حس الإغريق الفني.

3. نحت تمثال رودس العملاق

يشهد هذا التمثال بلا شك على أن الإغريق القدماء كانوا بالفعل حرفيين وفنانين بارعين. تعتبر عملاق رودس واحدة من عجائب الدنيا السبع في العالم القديم التي كان من الممكن أن تصبح تحفة ضخمة في العصر الحديث لو نجت من زلزال هائل دمر رودس في عام 226 قبل الميلاد. يُظهر التمثال الإغريقي القديم تيتان هيليوس وهو يحمل لهبًا ويقف ساقيه متباعدتين على طول جدارين محصنين. يعتبر تمثال هيليوس هذا الأطول في اليونان وقد بناه تشاريس ليندوس. تم تصميمه لإحياء ذكرى انتصار ملك قبرص أنتيغونوس الأول مونوفثالموس في القرن الثاني.

4. تمثال زيوس وجانيميد

التماثيل اليونانية القديمة يصور بشكل رئيسي الآلهة والمحاربين بأشكال عارية لأن هذا كان التقليد في تلك الأوقات. يبدو أن تمثال الطين هذا ، على عكس التماثيل اليونانية القديمة الأخرى ، أصغر حجمًا ويعود تاريخه إلى 470 قبل الميلاد. يُعتقد أنه تم صنعه خلال فترة الانتقال الكبير من العصر القديم إلى العصر الكلاسيكي. يصور التمثال زيوس وهو يحمل صبيًا صغيرًا يدعى جانيميد بإحكام. كسر جانيميد & # 8217s الجزء السفلي من الكتف. يظهر الإله ممسكًا بعصا في ذراعه اليسرى بينما يمسك الصبي بذراعه اليمنى.

5. نحت هرمس

يعود تاريخ تمثال هيرميس ، الذي أنشأه الفنان الرئيسي بيوسيبوس ، إلى عام 200 قبل الميلاد. يُمنح التمثال تعبيرًا مثاليًا للوجه ويصور جسم الإنسان بشكل لا تشوبه شائبة. يصور التمثال ، المصنوع من الرخام المحبب ، تمثالًا ذكرًا عاريًا ، لا يرتدي شيئًا سوى كلامي يُلقى بشكل عرضي على الكتف ويلتف حول ساعده في اليسار. التفاصيل الدقيقة التي دخلت في صناعة هذا التمثال تجعلك تتنهد بعدم تصديق. يوجد الآن في متحف أثينا & # 8217 الأثري الوطني.


الأفكار والإنجازات الرئيسية

  • سرعان ما أصبح الشكل البشري المثالي هو أنبل موضوع للفن في اليونان وكان الأساس لمعيار الجمال الذي سيطر على قرون عديدة من الفن الغربي. تم تأسيس المثل الأعلى للجمال اليوناني في قانون النسب ، بناءً على النسبة الذهبية ونسبة أطوال أجزاء الجسم إلى بعضها البعض ، والتي تحكم تصوير الشخصيات من الذكور والإناث.
  • في حين أن النسب المثالية كانت ذات أهمية قصوى ، سعى الفن الكلاسيكي إلى مزيد من الواقعية في الرسوم التشريحية. جاءت هذه الواقعية أيضًا لتشمل الواقعية العاطفية والنفسية التي خلقت توترات دراماتيكية وجذبت المشاهد.
  • بدأت تصميمات المعابد اليونانية ببساطة وتطورت إلى هياكل أكثر تعقيدًا وزخرفة ، لكن المهندسين المعماريين لاحقًا قاموا بترجمة التصميم المتناسق والأعمدة الخارجية إلى مجموعة من المباني الحكومية والتعليمية والدينية على مر القرون لنقل الشعور بالنظام والاستقرار.
  • ربما كانت مصادفة ، ولكن مثلما كشفت الحفريات الأثرية المتزايدة عن أمثلة عديدة للفن اليوناني والروماني ، تم تطوير مجال تاريخ الفن كمسار علمي للدراسة من قبل أمثال يوهان وينكلمان. وينكلمان ، الذي غالبًا ما يُعتبر والد تاريخ الفن ، بنى نظرياته عن تطور الفن على تطور الفن اليوناني ، والذي كان يعرفه إلى حد كبير فقط من النسخ الرومانية. منذ منتصف القرن الثامن عشر ، ارتبط الفن بالتقاليد التاريخية والكلاسيكية بشكل وثيق.
  • بينما ترتبط المنحوتات والأطلال اليونانية والرومانية بنقاء الرخام الأبيض في العقل الغربي ، كانت معظم الأعمال في الأصل متعددة الألوان ومطلية بألوان متعددة نابضة بالحياة. كشفت الحفريات في القرن الثامن عشر عن عدد من المنحوتات التي تحتوي على آثار لونية ، لكن مؤرخي الفن البارزين رفضوا النتائج باعتبارها شذوذًا. في أواخر القرن العشرين فقط قبل العلماء أن التماثيل بالحجم الطبيعي وأفاريز المعبد بأكملها كانت في الواقع مرسومة بألوان زاهية وزخارف عديدة ، مما أثار العديد من الأسئلة الجديدة حول افتراضات تاريخ الفن الغربي وكشف عن قرون من الزمان. لم تكن المقلدات الكلاسيكية في الواقع تقليدًا بل كانت تستند إلى مُثُل حنين للماضي.

طرق النحت اليونانية

بالنسبة للنقوش ، من الطبيعي رسم الموضوع على السطح المُجهز والعمل من هذا الرسم التخطيطي ، ولكن حتى الفترة الهلنستية لم يستخدم النحاتون الرخاميون اليونانيون نماذج مفصلة عند نحت التماثيل ، أو لذلك يمكن استنتاجها بشكل معقول من الانتهاء وغير المكتمل يعمل. أولاً ، لم تكن هناك آثار لأي نظام للإشارة حتى القرن الماضي قبل الميلاد - الطريقة التي يتم من خلالها نقل المواضع المحددة على النموذج بدقة إلى الكتلة التي سيتم نحت التمثال النهائي منها - وحتى بعد ذلك النقاط كانت متباعدة بدرجة كافية لتترك مساحات كبيرة للنحت اليدوي. ثانيًا ، في النحت البدائي ، حيث يجب على الأقل تخطيط علاقة الأشكال بدقة مسبقًا ، يمكن للنحاتين المختلفين للفريق تطوير ستائر شخصياتهم كما اختاروا ، وهذا واضح جدًا في التعرج الغربي للمعبد من زيوس في أولمبيا ، حيث يكون علاج الطيات في بعض الشخصيات من الطراز القديم وفي البعض الآخر تقدمي بشكل غير متكافئ.

من هوية الأسلوب مع التماثيل الرخامية ، يجب أن تعتمد التماثيل البرونزية أيضًا على النحت ، ويفترض هنا الشكل الأولي ، ولم يكن هناك أي اقتراح في العمل النهائي لهذا النوع من النمذجة قبل القرن الثاني. الذي يشجعه الطين الناعم أو الشمع. والأكثر إثارة للدهشة أنه لا توجد مثل هذه النماذج البلاستيكية في الطين أيضًا. من الواضح أن تقليد النحت اليوناني قد تأسس وثبت عن طريق النحت.

تظهر النسخ الأصلية الباقية التي تم التخلي عنها في مراحل مختلفة من التقدم أن الإجراء العادي لنحت تمثال رخامي لم يكن إنهاء جزء واحد في كل مرة (كما يحدث عادةً مع الإشارة من نموذج مصغر) ، ولكن للعمل حول الشكل مرحلة بمرحلة . هذا يعني أنه لم يكن هناك الكثير مما يمكن للنحات أن يفوضه بأمان إلى مساعد وأنه يتم تذكيره باستمرار بتأثير الكل أثناء تعامله مع التفاصيل. من المفترض أنه بدأ برسم الخطوط العريضة لشخصيته على الجوانب الأربعة للكتلة. كان من الممكن أن يكون هذا عمليًا بدرجة كافية مع الوضعيات غير المعقدة ذات الأربعة مربعات التي كانت منتظمة للتماثيل حتى القرن الرابع.

بعد ذلك ، قام بإزالة الحجر الزائد في حدود بوصة واحدة أو نحو ذلك من السطح النهائي المقصود ، مستخدماً أولاً المطرقة المثقوبة والمثقاب ثم الثقب بشكل متزايد. تبع ذلك التشكيل الخشن للشكل بالنقطة ، ثقب دقيق يمكن التعرف عليه من خلال التجويف الذي يتركه ، وتم تجويف التجاويف المحرجة (مثل المسافة بين الذراع والجسم أو ثنيات الأقمشة العميقة) جزئيًا بواسطة التدريبات. تم استخدام المثقاب ، الذي كان يحتوي على إزميل دائري لقمة ، بطريقتين ، إما لحفر ثقوب مفردة أو سلسلة من الثقوب ، أو (كحفر "جاري") التحرك بشكل غير مباشر للأمام لقطع ثلم. يبدو أن طريقة التدريبات الجارية قد تم اختراعها قليلاً ، إن وجدت ، قبل السبعينيات قبل الميلاد ، وحيث أنها وفرت العمالة ، سرعان ما أصبحت شائعة جدًا.

كانت المرحلة التالية والأكثر حسماً من النحت هي النمذجة التفصيلية للسطح بواسطة الأزاميل من أنواع مختلفة - إزميل المخلب (الذي يبدو أنه تم اختراعه حوالي 560 قبل الميلاد) ، والإزميل المسطح والإزميل المستدير. تم استخدام هذه الأزاميل بشكل غير مباشر وعمودي ، كما كانت النقطة ، وعادة بضربات قصيرة لطيفة.

بعد النمذجة ، تم تنعيم السطح باستخدام عوارض ذات أشكال ومقاييس مناسبة ، ثم تم تجانس أدق باستخدام مواد كاشطة ، ربما رقائق الصنفرة ومسحوق متبوعًا بمسحوق الخفاف. لم ينتج عن هذا التنعيم اللمعان العالي للكثير من المنحوتات الرومانية والحديثة. للحصول على تشطيب لامع ، يجب تلميع السطح بمواد كاشطة أدق ، مثل مسحوق المعجون أو أحمر الخدود. أخيرًا تم رسم التمثال - من 500 قبل الميلاد فصاعدًا ، بتقنية إنكوستيك - وتم إرفاق أي ملحقات معدنية.

بالنسبة للإغاثة ، كان الإجراء متشابهًا إلى حد كبير. أولاً ، يجب أن يكون الموضوع قد تم رسمه على الكتلة المعدة. ثم تم قطع الخطوط العريضة ، على نقوش أعمق في كثير من الأحيان عن طريق المثقاب ، وبعد ذلك تم استخدام النقطة ، والإزميل ، والقرد ، والمواد الكاشطة بالتسلسل. بشكل عام ، لم نحت النحاتون اليونانيون للنقوش أي جزء بعيدًا عن الطائرة الأمامية أكثر مما كان مطلوبًا من خلال النمذجة الفعالة لهذا الجزء. لذلك لا تميل الخلفية إلى أن تكون مستوية والعمق الذي يتم فيه تعيين الأشكال وأجزاء الأشكال تحكمه العلاقات البصرية أكثر من العلاقات الطبيعية.

بالنسبة للشخصيات البدائية ، تتنوع الممارسة. في بعض الأحيان ، كان الإجراء يستخدم في التماثيل القائمة بذاتها ، على الرغم من أن الظهر غالبًا ما كان غير مكتمل ، ولكن في بعض الأحيان - كما هو الحال مع أجساد القنطور في 0ليمبيا - تم التعامل معهم مثل الإغاثة العالية. كان معيار الإنهاء مرتفعًا جدًا وكان من المتوقع إزالة جميع علامات الأدوات المرئية لمرحلة ما في المرحلة التالية ، على الرغم من وجود أماكن محرجة حيث لا يمكن استخدام المواد الكاشطة أو العرموش بشكل صحيح وأحيانًا شديدة حفر أداة عميقة جدًا في سطح مفتوح. كان طعم التشطيب متنوعًا ، لكنه كان أقل صعوبة مع مرور الوقت. على النقوش ، غالبًا ما كانت الخلفيات والمساحات المحايدة الكبيرة مثل المقاعد مقلوبة ، ولكن لم يتم تنعيمها باستخدام المواد الكاشطة. في القرن الرابع ، اختار بعض النحاتين ترك الأقمشة خشنة فقط ، على عكس الملمس مع اللحم الناعم تمامًا وفي القطع الصغيرة كان هناك ميل متزايد للإهمال. ومع ذلك ، فإن الفرق بين النحت اليوناني المتواضع والنسخة الرومانية المتوسطة واضح ، حيث أن النُسخين قد واجهوا مشاكل في بعض الأحيان فقط بشأن عمل الإزميل. بالمناسبة ، عادة ما يستغرق النحات اليوناني من ستة إلى تسعة أشهر لنحت تمثال رخامي بالحجم الكامل.

تندر التماثيل البرونزية ، لذلك يصعب استنتاج طرق صنعها مقارنة بالتماثيل الرخامية. وبالتالي فإن الحساب الموجز التالي قد يكون خاطئًا في بعض الأجزاء. خلال القرنين السابع وأوائل القرن السادس ، شُيدت بعض التماثيل الكبيرة بتقنية "sphyrelaton" - أي صفائح رقيقة من البرونز مطروقة بالشكل ومثبتة بالمسامير في إطار خشبي أو قلب - لكن النتائج لم تكن مرضية وعلى الرغم من صغر حجمها كانت التماثيل مصبوبة في قوالب صلبة ، وكان الصب الصلب مكلفًا للغاية (حتى لو كان ذلك عمليًا) بالنسبة للأشكال الكبيرة. بعد ذلك ، ربما في منتصف القرن السادس تقريبًا ، تم استعارة عملية الصب المجوف ، والتي كانت تستخدم لبعض الوقت للأشياء الصغيرة ، وتم تطويرها لتماثيل بالحجم الكامل. لم يكن الإغريق متقدمين بدرجة كافية في علم المعادن لبناء إطارات كبيرة صلبة بقدر ما هو مطلوب لصب الصناديق الرملية ، وبالتالي لا بد أنهم اعتمدوا على عملية "الشمع المفقود".

يبدو أن التسلسل المنتظم للعمل كان شيئًا من هذا القبيل. أولاً ، أعد النحات شكله الأولي بالتفصيل الكامل والدقيق ، فمن المحتمل أن تكون المادة عبارة عن شمع ، أو ربما من الطين أو الخشب ، ولكن بأي حال من الأحوال يشير التأثير إلى نحت السطح بدلاً من نمذجة. ثم تم طلاء هذا الشكل بالطين (أو ربما الجص) لصنع قالب. بعد ذلك ، كان لا بد من فصل القالب عن الشكل الأولي ، وهنا يتطفل المزيد من عدم اليقين. تطلبت المرحلة التالية أن يكون القالب مفتوحًا ، وكان من المعتاد أيضًا إلقاء تماثيل كبيرة في عدة أجزاء. إذا كانت مادة الشكل الأولي ناعمة - أي الشمع أو الطين - فيمكن تقطيعها أو حفرها بعيدًا أو ربما تشغيلها أو غسلها وإلا تمت إزالة الشكل كما هو ، نظرًا لأن القطع الناقص كان متكررًا ، خاصة في طيات الستائر ، وهذا يعني إما أن الشكل قد تم تشريحه بالفعل إلى العديد من القطع القابلة للفصل أو أنه تم إجراء تشريح معقد بنفس القدر على القالب ، على الرغم من أنه إذا تم تشريح القالب ، فيجب إعادة تجميع معظم القطع الأصغر قبل المرحلة التالية. في هذا ، تم تبطين القالب المفتوح بالشمع لأي سمك مطلوب للجدار البرونزي للتمثال النهائي. في المقابل ، تم تبطين بطانة الشمع بالطين لتشكيل نواة ، والتي تم توصيلها بالقالب بواسطة أوتاد معدنية (شالات) ، بحيث يحتفظ هذا القالب واللب بمواقعهما النسبية عندما يذوب الشمع. قد يكون هذا اللب الطيني قد صُفِع على رطب ، أو سكب في سائل ، واعتمادًا على العملية المستخدمة ، تم إعادة تجميع القالب في أجزائه الكاملة بعد أو قبل صنع اللب. إذا كان القالب مصنوعًا من الجبس ، كان من الضروري إجراء عملية إضافية ، حيث يجب إزالة الجص بعناية من اللب المغطى بالشمع واستبداله بطبقة سميكة من الطين. (ملحوظة: الإجراء الموصوف حتى الآن هو إجراء صب "الشمع المفقود" غير المباشر ، لكن النحاتين اليونانيين استخدموا أحيانًا الإجراء المباشر الأقل اقتصادا: هنا الشكل الأولي ، وهو من الطين ويعمل أيضًا كقلب ، مغطى نفسه بـ طبقة من الشمع وهذه الطبقة ، التي تم الانتهاء منها بالتفصيل ، محاطة بغلاف من الطين.)

كل شيء جاهز الآن لإطلاق النار. تم تسخين القوالب بقلبها بحيث يذوب الشمع ويخرج البرونز المصهور في التجاويف التي خلفها الشمع ، ولكن نظرًا لأن الطين المجفف بالهواء لن يأخذ المعدن المنصهر دون التواء على الأقل ، يفترض المرء أنه بعد أن يذوب الشمع تم إطلاق القوالب والنوى إلى درجة الحرارة المطلوبة للطين أو أعلى ، وتم تشغيل المعدن أثناء وجودهم في هذه الحرارة. بعد ذلك ، عندما يبرد كل شيء ، تم تحرير الصب البرونزي عن طريق كسر القالب الخارجي أو الطلاء. لم يكن من الضروري ، بالطبع ، انتقاء كل اللب ، وفي الواقع ، تم العثور على كتل من اللب لا تزال موجودة داخل التماثيل البرونزية.

لا يزال هناك الكثير من العمل الذي يتعين القيام به. في هذه المرحلة ، يكون للصب قشرة حبيبية ، والتي كانت بحاجة إلى كشط الشقوق التي تم سدها وإصلاح الأعطال عن طريق القطع والملء بشرائط من الصفيحة المعدنية (المنخفضات المستطيلة الظاهرة على بعض التماثيل الباقية هي مثل هذه القطع التي سقطت منها الحشوات ). تم ربط القطع المصبوبة بشكل منفصل معًا ، بواسطة اللسان والأخدود إذا كان كبيرًا ، أو عن طريق اللحام أو اللحام إذا كان صغيرًا. تم نقش التفاصيل ، وإدخال العيون وتثبيتها ، وغالبًا ما كانت الشفاه والحلمات مطعمة بالنحاس أو بعض المعادن الأخرى ، وكان السطح بالكامل مصقولًا تمامًا لإخفاء حواف الوصلات والترقيع ولإنتاج لمعان مناسب. تم الحفاظ على اللمعان ، كما تظهر السجلات ، من خلال استخدامات الزيت أو الراتينج ، وربما القار. كان صنع التمثال البرونزي عملاً معقدًا ، ولا بد أن مخاطر الفشل في إطلاق القالب وتأسيس المعدن كانت خطيرة ، فقد كانت التكلفة الأكبر للمواد هي التي جعلت التماثيل البرونزية أغلى من تماثيل الرخام.

تم وضع بعض التماثيل ، خاصة التماثيل الصغيرة ، على قواعد عالية أو حتى أعمدة أو أرصفة ، لكن أكثر أنواع القاعدة اليونانية شيوعًا كان منخفضًا نسبيًا ومستطيل الشكل ومصنوع من الرخام. في القرن الخامس ، بالنسبة للتمثال بالحجم الكامل ، كانت القاعدة عادة أقل من ارتفاع القدم ، وقد ينتهي سطحها فقط بالنقطة ، على الرغم من وجود ميل في وقت لاحق لإنتاج شيء أطول وأكثر زخرفة. تم نحت التماثيل الرخامية الواقفة بقاعدة صغيرة حول القدمين وتم السماح بدخولها إلى القاعدة وتثبيتها بالرصاص ، في كثير من الأحيان بشكل غير مرتب. تم ربط التماثيل البرونزية. انظر أيضًا: أعمال المعادن اليونانية.

كان الإعداد عادة في الهواء الطلق ، وبما أن النحاتين اليونانيين كانوا متطورين بما يكفي لإجراء تصحيحات بصرية لزاوية الرؤية بحلول القرن الخامس ، يفترض المرء أنهم أخذوا أيضًا في الاعتبار طبيعة الإضاءة. غالبًا ما يتم تجاهل هذه العوامل المهمة جدًا في عرض المنحوتات اليونانية في كل من المتاحف القديمة والجديدة ، حيث يتم وضع التماثيل في الغالب فوق سطح الأرض وتميل الإضاءة إلى أن تكون أحادية الجانب ومائلة. كما أن الترتيب ليس صحيحًا تمامًا ، في الصفوف الطويلة أو التجمعات المدروسة ، كانت العادة اليونانية هي اعتبار كل تمثال ككيان مستقل ووضعه في مكان شاغر مناسب دون القلق بشأن علاقته الجمالية بالتماثيل أو المباني المجاورة.

هناك تحذير آخر. تم تشويه معظم التماثيل القديمة مع مرور الوقت. من القرن السادس عشر إلى القرن التاسع عشر ، كان من المعتاد استعادة أوجه القصور الأكثر وضوحًا على الأقل ، وعلى الرغم من أن الموضة الحالية تمقت أي ترميم ، لا يزال يتم عرض العديد من القطع التي تم ترميمها ، وأحيانًا بشكل مضلل. هناك قاعدة موثوقة إلى حد ما لتمييز ما هو أصلي في تمثال رخامي وما هو ليس كذلك. عندما يتم ضم قطعتين من الحجر ، من الصعب جدًا إخفاء خط الوصلة.الآن يترك الفاصل الطبيعي حافة غير منتظمة ، وإذا كان خط الانضمام غير منتظم ، فيمكن اعتبار القطعتين على أنهما جزء من بعضهما البعض. ولكن نظرًا لأن المرء يحتاج إلى سطح عادي لتلائم قطعة جديدة على أخرى ، فإن خط الربط المستقيم يُظهر أن إحدى هذه القطع جديدة وقد يشك المرء في أن السطح الخشن لكسر قديم قد تم قطعه وتنعيمه لجعله ملائمًا. للاستبدال. من حين لآخر ، تم إجراء مثل هذه الاستبدالات في العصور القديمة ، ولكن بشكل عام يعد الوصلة المباشرة دليلًا على الترميم الحديث في العصر الحديث. يعد المتحف الوطني في نابولي ، الذي ورث مجموعة رائعة من عصر النهضة لعائلة فارنيز ، مكانًا رائعًا لممارسة اختبار الأصالة هذا.

ملاحظة: بالنسبة للنحاتين اللاحقين المستوحاة من المنحوتات النحتية في اليونان القديمة ، يرجى الاطلاع على: الكلاسيكية في الفن (800 وما بعده).

يستخدم في النحت اليوناني القديم

استخدم الإغريق تماثيل لما يسمى بشخصيات عبادة الآلهة ، والإهداءات ، والآثار على القبور والزخرفة المعمارية ، لكنهم لم يكتسبوا أو طلبوا أكثر من التماثيل للتمتع الخاص حتى الفترة الهلنستية. كانت استخدامات النقوش متشابهة ، إلا أنها لم تكن بمثابة شخصيات عبادة.

كانت تماثيل العبادة ، الضخمة في بعض الأحيان ، نادرة نسبيًا. عادةً ما يقف أحد هذه التماثيل ، للإله أو الإلهة الراعية ، داخل المنطقة الداخلية للمعبد ، لكن مصطلح "تمثال العبادة" مضلل. كانت هذه المنحوتات تعتبر من الأعمال الحرفية البشرية ، وهي توضح الإله ولكن لا تجسده. وهكذا ، على الرغم من الإعجاب بهم ، إلا أنهم لم يعبدوا.

تم إنشاء الإهداء في الملاذات والأماكن العامة الأخرى ، من قبل الأفراد أو المجتمعات ، للاحتفال بالنصر في المسابقات الرياضية أو الحرب ، وللتعهد أو الغرامة ، وللتعبير عن الامتنان للنجاح أو الأمان ، وللإعلان عن المتبرع. وشملت أخرى ، من القرن الرابع وما بعده ، تماثيل لإحياء ذكرى المواطنين المتميزين. أصبحت بعض المواقع الشهيرة مزدحمة بهذه التماثيل الدينية ، كما هو واضح جدًا من القواعد الباقية في حرم أبولو في دلفي. كانت النقوش عادة أقل فرضًا وأرخص ثمناً ، فهي تختلف على نطاق واسع في الحجم والجودة وكانت شائعة بشكل خاص كعروض نذرية ، مثل اللوحات الخشبية المطلية أو التيراكوتا التي يقدمها الفقراء. كانت فئة التماثيل الأكثر عددًا عبارة عن إهداءات.

كانت المعالم الأثرية فئة مهمة أخرى من النحت. كان معظمهم في حالة ارتياح. لكن أولئك الذين يستطيعون تحمل كلفته فضلوا أحيانًا تمثالًا ، خاصة في العصر القديم. على الرغم من أن الإغريق احترموا قبور موتاهم ، إلا أن النصب التذكارية فوقهم كانت ترضي شعور الأسرة والتباهي بها بدلاً من الضروريات الدينية ، وهكذا في حالة الطوارئ العامة ، يمكن هدم تماثيل القبور لتوفير الحجر للتحصينات ، وفي أثينا في مناسبتين تم تقييد الإنفاق الجنائزي بنجاح من خلال التشريع المدني. مرة أخرى في تحديد المواقع واختيار المعالم الأثرية لم يتم الانتباه إلى تلك الموجودة في قطع الأراضي المجاورة. كانت المقابر الرئيسية تمتد على طول الطرق خارج بوابات المدينة ، حيث يتنافس الموتى (في بعض الأحيان بشكل صريح) على إشعار كل عابر سبيل.

في العمارة اليونانية ، خاصة بالنسبة للمعابد ، يمكن استخدام النحت في الجولة في الأكروتيريا والمضادات ، وغالبًا ما اتخذت الأنبوب شكل رؤوس الأسد. علاوة على ذلك ، سرعان ما ظهرت أشكال النحت البدائي بعيدًا عن خلفيتها ، على الرغم من أنها كانت لا تزال قريبة من النقوش في التكوين والوضع. تم العثور على استخدامات أخرى للنحت المعماري بين الشعوب الأجنبية الذين أعجبوا بالفن اليوناني واتبعوه على وجه الخصوص ، وقد وضع الأتروسكان التماثيل أحيانًا على طول سلسلة التلال في سقف المعبد والليقيين في فترات الرواق المرتفع الذي يزين قبرًا أرستقراطيًا.

ارتبطت معظم استخدامات النحت هذه بالمقدسات والقبور ، ولكن حتى لو تغلغل الدين في الحياة اليونانية ، فإن الفن اليوناني لم يكن بأي معنى ديني. أعطتهم تمثيلات الآلهة والإلهات ، الذين تم تصورهم على أنهم بشر كاملون فقط ، نضجهم وسماتهم المناسبة - لذلك كان زيوس ملتحيًا بانتظام وكانت أثينا ترتدي عادة خوذة ورعاية. لكن الفنانين اليونانيين ، على عكس المصريين ، لم يكونوا مكتظين بالقواعد الهيراطيقية المتعلقة بكيفية تصوير الآلهة والناس. كان المعيار الذي تم من خلاله الحكم على عمل الفنان هو قيمته الجمالية ضمن الحدود التي يسمح بها الرأي العام بالطبع. ينطبق هذا القيد بشكل خاص على النحت - وعلى التماثيل أكثر من النقوش - حيث تم وضع النحت من أي نتيجة في الأماكن العامة فقط. من المفترض أن هذا هو السبب في عدم ظهور أول تمثال لأنثى عارية حتى منتصف القرن الرابع ، على الرغم من أنه تم قبول العراة في الرسم على الزهرية والتماثيل (وفي الواقع في النحت البارز) قبل فترة طويلة. لكن المزهريات والتماثيل المرسومة صنعت لعملاء خاصين ، وحتى لو كانت مخصصة في ملاذ ، فإنها لم تُعرض بشكل واضح. لم يتحرر النحاتون من هذا التقييد إلا في الفترة الهلنستية ، عندما تغير الرأي العام وتمكنوا أخيرًا من استغلال أذواقهم أو أذواق عملائهم دون إخفاء الأذواق غير البطولية والإثارة والعاطفية.

إنه نفس الشيء مع الأنواع والموضوعات النحتية. طوال الفترة القديمة ، كان النوعان الرئيسيان هما 'كوروس(رجل عاري واقفا) وكور(أنثى واقفة رايات) ، ويمكن أن تكون بمثابة تماثيل عبادة ، أو إهداء ، أو نصب تذكارية. وكذلك فعل الخلفاء الكلاسيكيون من kouros و kore بدرجة أقل. كان لبعض الآلهة والأبطال سمة مميزة للتعرف عليهم - أسكليبيوس ثعبان ، أو هرقل ناديه - ولكن بشكل عام حتى الفترة الهلنستية ، كانت موضوعات التماثيل من الأنواع غير المتخصصة ، ووسائل ملائمة للتعبير الفني. على سبيل المثال ، يعد الكوروس نوعًا معتادًا من التماثيل الموجودة على قبور قديمة ، ولكن لا يوجد سبب وجيه للاعتقاد بأن هذه الآثار القبرية باهظة الثمن تم وضعها فقط للشباب جدًا الذين لم يعيشوا طويلًا بما يكفي لإطلاق لحية. مرة أخرى ، في أواخر القرن السادس الميلادي ، كان التفاني القياسي في الأكروبوليس في أثينا أمرًا أساسيًا ، ولكن بسبب لباسه ، لم يمثل هذا الرقم أثينا ، التي كرست لها ، ولا بسبب جنسها المتبرع. من المثير للاهتمام أن "agalma" ، إحدى الكلمتين اليونانيتين الشائعتين للتمثال ، كان لها معنى أصلي لـ "شيء يسعد به".

تتطلب النقوش ، بالطبع ، حيث يتم تضمين العديد من الأشكال ، بعض الموضوعات المتماسكة لتجنب البلادة ، ولكن في ألواح وأفاريز المعابد ، لم يكن الموضوع ، الأسطوري عادةً ، مناسبًا بشكل خاص لإله الراعي. وقعت معركة Lapiths و Centaurs ، التي تحتل الجزء الغربي من معبد Zeus في Olympia والمجموعة الجنوبية من ألواح metope من Parthenon في أثينا ، بعيدًا في Thessaly وكانت حادثة ثانوية في الأسطورة اليونانية ولكنها أعطى الفنانين ذريعة مناسبة لممارسة مهارتهم في علم التشريح البشري ، ذكورا وإناثا ، وتغيير التأثير مع الخيول. طورت النقوش الجسيمة اتفاقياتها الخاصة بالمشاهد المحلية للمتعة أو الحزن ، وغالبًا ما تصور النقوش النذرية الآلهة المناسبة مع المصلين الذين يقتربون منهم ، لكن شخصيات الموتى أو المانحين ظلت أنواعًا قياسية. حتى في الصور ، أو ما يمر كصور ، لم يكن النحاتون حتى الفترة الهلنستية يحاولون بجدية تشبيه حديث جليستهم. من الصعب تجنب الاستنتاج القائل بأن الدوافع السائدة كانت جمالية في الاختيار وحتى في علاج الأنواع والموضوعات ، وبالتالي يمكن للمرء بضمير جيد الاستمتاع بالنحت اليوناني كفن دون القلق بشأن أي معنى مقصور على فئة معينة.

أصول النحت اليوناني

خلال القرن الثامن قبل الميلاد ، على الأقل في جزيرة كريت ، تُظهر بعض النقوش البسيطة من الحجر الجيري الناعم أسلوبًا شرقيًا وسوريًا بشكل خاص ، لكن هذه كانت بداية خاطئة وتم تجاهلها هنا. بدأ النحت اليوناني كما نعرفه مع ما يسمى بالنمط الدايدالي ، والذي ظهر في منتصف القرن السابع.

من الأفضل تقسيم مشكلة الأصول إلى قسمين - كيف حصل اليونانيون على فكرة التماثيل الحجرية الكبيرة وكيف حصلوا على النمط؟ هناك إجابة جاهزة للسؤال الأول: في ذلك الوقت كان اليونانيون بالتأكيد يزورون سوريا ، التي كانت بها بعض المنحوتات الحجرية ، وربما مصر التي كانت بها المزيد. توجد نظريات مختلفة حول مصدر الأسلوب.

أكثرها انتشارًا هو أن النحت اليوناني المبكر كان يعتمد على النحت المصري - بسبب الوضع (خاصةً الشكل الذكوري) ، والتسريحة التي تشبه شعر مستعار ، وربما تقنية نحت الحجر الصلب. لكن وضع الذكر اليوناني يختلف عن المصري في الميل والوقوف ، بينما كان الكوافير مألوفًا في الفن السوري أيضًا ، علاوة على ذلك ، ربما تم استخدام البنائين اليونانيين بالفعل للرخام ، والأشكال المصرية ممتلئة ومستديرة ومتفردة إلى حد ما ، في حين أن الشخصيات الديدالية لها هيكل احتياطي ومبسط بشكل غير طبيعي.

هناك فكرة أخرى ، وهي أن أسلوب ديداليك للنحت على الحجر استمر في النمط اليوناني القديم للنحت على الخشب ، وله عدد قليل من المؤيدين ، لأن التماثيل اليونانية في أوائل القرن السابع وأواخر القرن الثامن تختلف اختلافًا جذريًا عن أسلوب ديداليك وكذلك نادرًا جدًا. المنحوتات الحجرية التي قد تكون من نفس التاريخ.

إذا كانت هذه الاعتراضات جيدة ، فلا يمكن أن يكون أسلوب النحت اليوناني مشتقًا من أسلوب أي مدرسة نحت. وفي الأصل ، قد يكون مجرد توسيع لأسلوب التماثيل الطينية الديدالية المعاصرة ، والتي ظهرت فجأة في بداية القرن السابع ، والتي يبدو أن أسلوبها وتقنيتها مستمدان من فئة اللوحات والتماثيل السورية الرخيصة. ومع ذلك ، لا يمكن لأي شخص أن يتحمل مثل هذا الأصل المتواضع لهذا الفن الرفيع.

ومع ذلك ، إذا لم يكن للفن المصري دور مباشر في إنشاء النحت اليوناني ، فقد يكون له بعض التأثير لاحقًا. يتوافق كوروس في نيويورك ، الذي تم نحته حوالي 600 قبل الميلاد ، في بعض النقاط مع الشبكة القياسية التي استخدمها المصريون لتخطيط تمثال وقد لا يكون هذا من قبيل الصدفة. ومع ذلك ، كان نحات نيويورك كوروس غريب الأطوار ، ولم يُظهر المزيد من الكوريين الأرثوذكس في ذلك الوقت مثل هذا التوافق. بحلول عام 600 قبل الميلاد ، كان النحت - مثل الفنون الجميلة الأخرى في اليونان الأوروبية - راسخًا ، وما استعارته من الخارج كان غير رسمي فقط.

قد يكون مختلفًا في منطقة شرق اليونان ، على طول الساحل الغربي لتركيا ، حيث ظهر نمط جديد ومميز في بداية القرن السادس ، ربما مستوحى من تماثيل العاج من المنطقة السورية. ولكن مع اكتشاف المزيد من المنحوتات المبكرة ، ستصبح المشاكل أو الأصول والتأثيرات بلا شك أكثر تعقيدًا.

& # 149 لمزيد من المعلومات حول تطور الفنون المرئية وتسلسلها الزمني ، راجع: تاريخ الفن.
& # 149 لمزيد من المعلومات حول النقوش والأفاريز والتماثيل في اليونان القديمة ، راجع: موسوعة الفنون المرئية.


  • المرحلة الهندسية: نشأت بين القرنين العاشر والثامن قبل الميلاد. اسمها يأتي من نوع سيراميك التي تم صنعها. يبدو الشكل البشري مخططًا جدًا والمزهريات المستخدمة فيه الطقوس الجنائزية كان الموضوع الرئيسي لهذه الفترة هو الموت وحدث بشكل رئيسي في أثينا. خلال هذه الفترة ، تم إنشاء الجنيات والأباريق والرسومات الثلاثية والمنحوتات.
  • مرحلة قديمة: تقع بين القرنين الثامن والسادس قبل الميلاد وتتميز بتوسع بوليس اليونانية باستخدام الاستبداد كدعاية. داخلها النشاط التجاريحدثت تغييرات مهمة وظهرت المدن والمعابد الأولى التي غيرت النحت والسيراميك. تم إعطاء الأهمية ل العبادة الدينية وأقيمت المباني والمعابد الدينية الحجرية الهامة.
  • المرحلة الكلاسيكية: من القرن الخامس إلى القرن الرابع قبل الميلاد. عندما وصلت اليونان إلى وفرة في جميع المجالات ، لا سيما في النحت. تأثرت ب مصري و الثقافة البابلية التي نشأ منها خليط ثقافي. كان أسلوب الفن في هذه المرحلة يسمى أسلوب صارم وكان البرونز والرخام أكثر المواد استخدامًا.
  • المرحلة الهلنستية: بين القرن الثالث قبل الميلاد. والقرن الأول قبل الميلاد. انتشرت الثقافة اليونانية في جميع أنحاء البحر المتوسط. هو الأكثر مرحلة الباروك الفن وكان هناك طلب كبير على الأعمال المعمارية والنحت والرسم.

الفن اليوناني هو أساس من الأوروبي و الثقافة الغربية وضع سابقة لا تزال قائمة حتى اليوم ، تم إنشاء نماذجها الكلاسيكية ومنحوتاتها طوال الوقت التاريخ. بالإضافة إلى ذلك ، كان أساس الكلاسيكية الجديدة، والتي نراها ممثلة في مختلف المباني العامة والرسمية.


اللوحات الجدارية الجافة والرطبة

تتضمن تقنية "الجص الجاف" (فريسكو سيكو) تطبيق الطلاء ، على وجه الخصوص للحصول على التفاصيل ، على الجص الجاف. من ناحية أخرى ، تتضمن طريقة الطلاء "الحقيقية" أو "الرطبة" (buon fresco) الطلاء على جص مبلل بحيث يتم امتصاص الأصباغ وربطها جيدًا بجص الجدار. هذا يصلح اللوحة ويمنعها من التلاشي.

قام الرسامون المصريون بطلاء جدرانهم بتقنية جدارية secco لكن المينويين استخدموا طريقة buon fresco. كانت الصعوبة في طريقة buon fresco هي أنها تتطلب تنفيذًا دقيقًا وسريعًا ، ولكنها كانت تتمتع بميزة السماح بدرجة عالية من الارتجال والعفوية. لأنه كان على الفنانين العمل ضمن قيود زمنية صارمة ، كان عليهم أن يكونوا ماهرين. كان يجب أن تكون ضربات الفرشاة سلسة ورشيقة ، ومع ذلك أنتجت الفرصة في الفن الإثارة. من المحتمل أن يكون هذا هو ما يميز الرسم المينوي ويجعل الطريقة الرطبة للرسم هي الأنسب انظر الشكل 6.

الشكل 6: أجزاء من لوحات جدارية مينوان من 1450 إلى 1375 قبل الميلاد (LM II)

© أمناء المتحف البريطاني

تم استخدام نقش منخفض في الجص لإعطاء تأثير ثلاثي الأبعاد ضحل. لم يتم العثور على أي أمثلة باقية لتأثيرات التظليل في اللوحات الجدارية Minoan ، على الرغم من أن لون الخلفية يتغير بينما تظل الموضوعات الأمامية دون تغيير. تم تبني بعض اتفاقيات الألوان المصرية من قبل Minoans: جلد الذكور عادة ما يكون أحمر ، بشرة الأنثى بيضاء ، والذهب المعدني أصفر ، والفضي أزرق ، والبرونزي أحمر. كما تم استخدام الجص على الجدران لتقليد السمات المعمارية ، مثل ألواح المرمر المعرقة المرسومة على الأجزاء السفلية من الجدران.

الأصباغ المستخدمة للألوان هي:

  • أسود - صخر كربوني
  • أحمر - الهيماتيت (أكسيد الحديد Fe2ا3)
  • أبيض - هيدرات الجير (أكسيد الكالسيوم Ca (OH)2)
  • المغرة الصفراء - الجيوثايت (الحديد أوكسي هيدروكسيد الحديد O (OH))
  • أزرق - أزرق مصري (سيليكات النحاس CaCuSi4ا10)
  • والأخضر - مختلط الأزرق والأصفر.

تعتبر اللوحات الجدارية هشة بطبيعتها وغالبًا ما تم رسمها بواسطة فنانين مجهولين. غالبًا ما تتركهم ويلات الزمن غير مكتملة ويمكن أن يتركهم علم الآثار بعيدًا عن بيئتهم الأصلية. هذا يمكن أن يجعل التفسير والتأريخ صعبًا ، وقد أدى إلى أن تكون بعض الاستعادة أكثر إبداعًا من الدقة.


مفهوم مضحك

شهد القرن التاسع عشر أول تلميحات لمنحوتات مرسومة محتملة ، ولكن لم يكن حتى ابتكار الضوء فوق البنفسجي والكاميرات الخاصة في أواخر القرن العشرين التي قدمت أخيرًا دليلًا لا لبس فيه على الرخام المطلي. في الواقع ، فإن مجرد فكرة رسم المنحوتات على الإطلاق كانت تعتبر مضحكة حتى أواخر القرن التاسع عشر ، عندما أثبت عالم الآثار فينزينز برينكمان بما لا يدع مجالاً للشك أن التماثيل كانت غنية بالرسم في يوم من الأيام. وحتى في ذلك الوقت ، فإن أقدم تمثيلات برينكمان لما قد يبدو عليه التماثيل الملونة كانت تعتبر "مبهرجة" ، بسبب مخططات الألوان الغنية الهائلة التي صورها. ومع ذلك ، ومع الوقت والمثابرة ، أثبت برينكمان في النهاية خطأ كل رافضيه.

تروجان آرتشر (ما يسمى بباريس) ، الشكل W-XI للنسب الغربي لمعبد Aphaia ، كاليفورنيا. 505-500 قبل الميلاد إعادة إعمار متعدد الألوان من معرض Bunte Götter. ( CC BY-SA 2.5 )

في حين أن التماثيل البرونزية القديمة لم يتم رسمها على الأرجح بسبب الدمج الواسع للمجوهرات المرصعة والأحجار الكريمة والمعادن الأخرى في أشكالها ، فقد أظهرت التماثيل الرخامية لكل من اليونان القديمة وروما آثارًا للصباغ منذ إعادة اكتشافها المختلفة في عصر النهضة. ومع ذلك ، دون علم علماء الآثار في القرنين الخامس عشر والسادس عشر ، كانت تلك الآثار الباهتة للألوان تدل على منحوتة مزخرفة بشكل متقن - وليس فقط بقايا من هذه القطع التي كانت في غير محلها لفترة طويلة. وبسبب هذا النقص في المعرفة ، كان نحاتو عصر النهضة يعتزمون نسخ الأشكال اليونانية والرومانية التي نحتوا تماثيلهم من الرخام الأبيض غير المصبوغ على حد علمهم ، وكان الرخام الأبيض غير المصبوغ هو بالضبط الطريقة التي نحت بها أسلافهم القدامى.

إلى اليسار: "Peplos Kore" ، حوالي عام 530 قبل الميلاد ( CC BY-SA 2.5 ) على اليمين: أعيد بناؤها في متعدد الألوان مثل أثينا من قبل فريق برينكمان ( CC BY-SA 2.5 )


18 منحوتة شهيرة أصبحت قطعًا بارزة في التاريخ:

فينوس ويليندورف (حوالي 30.000 إلى 20.000 قبل الميلاد)

ال فينوس ويليندورف هو تمثال يبلغ ارتفاعه 4.4 بوصة مصنوع من الحجر الجيري اكتشف في ويلندورف ، النمسا. يُعتقد أنه صُنع بين 30000 و 25000 قبل الميلاد ، مما يجعله أحد أقدم الأعمال الفنية المعروفة في العالم. بسبب ثديي الشكل البارزين ، والبطن المستدير ، والوركين الرشيقين ، خلص العديد من الباحثين بمرور الوقت إلى أن النحت كان يهدف إلى أن يكون تمثالًا للخصوبة ، أو & # 8220 تمثال فينوس. & # 8221

تمثال نصفي لنفرتيتي لتحتمس (1345 قبل الميلاد)

هذا التمثال النصفي المصبوغ من الحجر الجيري ، الموجود الآن في متحف Neues في برلين ، هو صورة جميلة لـ نفرتيتي الزوجة الملكية العظيمة للفرعون المصري إخناتون. وجدت في ورشة عمل فنان يدعى تحتمس ، جعلت تجسيده الأيقوني من نفرتيتي رمزًا للجمال الأنثوي المثالي لعدة قرون قادمة.

تيراكوتا ووريورز (أواخر القرن الثالث قبل الميلاد)

ال محاربي الطين هي مجموعة من التماثيل في مدينة شيآن بالصين ، تصور جيش تشين شي هوانغ ، الإمبراطور الأول للصين. من بين الأرقام 8000 جندي و 130 عربة و 670 حصانًا. الأشكال هي مثال لا يصدق للفن الجنائزي ، تم إنشاؤها لحراسة الإمبراطور في الحياة الآخرة. تم اكتشافها فقط في عام 1974 عندما قام المزارعون بحفر بئر عليهم في موقع على بعد ميل واحد تقريبًا من قبر الإمبراطور. غالبًا ما تكون أجزاء من المجموعة جزءًا من معارض متنقلة حول العالم ، وكان الضريح في مدينة شيان أحد مواقع التراث العالمي منذ عام 1987. وقد ألهمت الأعمال كل شيء بدءًا من فن الرصيف ثلاثي الأبعاد وحتى منحوتات عجينة البيتزا.

لاوكو وأوملين وأبناؤه (ج 323 قبل الميلاد و - 31 م)

& # 8220Laocoon and His Sons & # 8221 معروضان في متحف Pio Clementino في متاحف الفاتيكان في روما ، إيطاليا (الصورة: IR Stone عبر Shutterstock)

منذ أعمال التنقيب في القرن السادس عشر ، لاوكو وأوملين وأبناؤهاجتذب علماء الآثار ومحبي الفن على حد سواء. يصور هذا التمثال الهلنستي ثلاث شخصيات رخامية في مشهد مليء بالإثارة على أساس أسطورة يونانية قديمة. وفقًا للأسطورة ، كان Laoco & oumln كاهنًا من طروادة و mdashalong مع ولديه ، Antiphantes و Thymbraeus & mdashwas هوجم من قبل ثعابين البحر التي أرسلها إله. على الرغم من أن النحات الأصلي لا يزال لغزًا ، إلا أن العمل يحظى بالثناء بسبب إتقانه الفني وتأثيره العاطفي.

نايك من Samothrace (حوالي 190 قبل الميلاد)

يقع في متحف اللوفر ، و انتصار مجنح لساموثريس أو نايك من Samothraceهو مثال مبدع للنحت اليوناني الهلنستي. تصور Nike ، إلهة النصر اليونانية ، وهي واحدة من التماثيل الهلنستية القليلة المتبقية والتي هي أصلية يونانية وليست نسخة رومانية لاحقة. تتشبث الإلهة بملابسها بجسدها ، وتتقدم منتصرة كما لو كانت على مقدمة سفينة تقود القوات إلى النصر. واحدة من أشهر المنحوتات في التاريخ ، وقد أثرت لاحقًا على أمبرتو بوتشيوني أشكال فريدة من الاستمرارية في الفضاء.

فينوس دي ميلو (حوالي 130 قبل الميلاد)

يقع أيضًا في متحف اللوفر فينوس دي ميلو يُعرف أيضًا باسم أفروديت ميلوس ويعتقد أنها تصور أفروديت ، إلهة الحب اليونانية. يبلغ ارتفاع التمثال الرخامي 6 أقدام و 8 بوصات ويشتهر بأذرعه المفقودة. نظرًا لأن أي أطراف كانت معرضة لخطر الانهيار بمرور الوقت ، فليس من غير المألوف أن تفقد المنحوتات القديمة أطرافها. تم العثور على التمثال المشهور عالمياً في جزيرة ميلوس اليونانية عام 1820 من قبل فلاح اكتشفها مجزأة إلى قطعتين. لطالما أثر العمل على الفنانين ، بما في ذلك Dal & iacute ، الذي أنشأ فينوس دي ميلو مع أدراج في عام 1936.

ديفيد بواسطة دوناتيلو (1430-1440)

ما يقرب من 100 عام قبل مايكل أنجلو ديفيدأنشأ نحات عصر النهضة الإيطالي دوناتيلو نسخة مبدعة من قصة الكتاب المقدس. يلقي في البرونز ، دوناتيلو ديفيد هو أصغر سنا وأكثر تأملا ، بعد أن قتل للتو جليات. في الواقع ، يستخدم دوناتيلو بذكاء رأس جالوت وسيف ديفيد كدعم للهيكل. تسبب التمثال في فضيحة في ذلك الوقت ، حيث كان ديفيد عاريًا باستثناء حذائه ، واعتبر طبيعيًا لدرجة أنه كان مزعجًا. يتميز منحوتات عصر النهضة المبكرة بكونها أول منحوتة برونزية غير مدعومة ، بالإضافة إلى كونها أول تمثال عاري قائم بذاته للذكور منذ العصور القديمة.

ديفيد بواسطة مايكل أنجلو (1501-1504)

تم تكليف مايكل أنجلو في الأصل بسقف كاتدرائية فلورنسا ، وكان يبلغ من العمر 26 عامًا فقط عندما فاز بالمنصب. يعد مايكل أنجلو أحد أكثر المنحوتات شهرة في التاريخ ديفيد كان هادئًا وممتلئًا ، مع مقلاعه متدليًا على كتفه ، ينتظر بثقة مواجهة جالوت. تتجلى مهارة مايكل أنجلو في اهتمامه بالتفاصيل ، من الأوردة المنتفخة في يد ديفيد إلى إتقانه ضد في وضعه.

اغتصاب بروسيربينا بقلم جيان لورينزو بيرنيني (1621-1622)

الصورة: مخزون الصور من irisphoto1 / Shutterstock

كان الفنان الباروكي برنيني يبلغ من العمر 23 عامًا فقط عندما بدأ هذا النحت الرخامي ، لكنه لا يزال معروفًا كواحد من أكثر قطعه روعة. بناءً على أسطورة يونانية قديمة ، اغتصاب بروسبرينا يصور الإله هاديس وهو يأسر ابنة زيوس بروسيربينا. نحت بيرنيني الشكلين من رخام كرارا ، مما جعل الحجر يشبه الجلد المرن. إن تكوينها المتقن وإحساسها المسرحي بالدراما يجعلها نموذجًا أصليًا لفن الباروك.

تمثال الحرية، صممه Fr & eacuted & eacuteric Auguste Bartholdi وبناها Gustave Eiffel (1876-1886)

المعروف أنه يرمز إلى الحرية في الولايات المتحدة ، فإن تمثال الحرية تمثال نحاسي كان هدية من الحكومة الفرنسية ويظهر شخصية مسروقة تمثل الإلهة الرومانية ليبرتاس. بين ذراعيها ، تحمل لوحًا يحمل تاريخ إعلان الاستقلال الأمريكي. فكرة الهدية ابتكرها & Eacutedouard Ren & eacute de Laboulaye ، رئيس الجمعية الفرنسية لمكافحة الرق ، للاحتفال وتكريم انتصار الاتحاد في الحرب الأهلية وإلغاء العبودية. الزنجار الأخضر ، المرتبط الآن بالنحت الشهير ، ظهر فقط بعد عام 1900 حيث تأكسد النحاس.

المفكر بواسطة رودين (1880 ، يلقي عام 1904)

هذه التحفة الفنية للنحات الفرنسي أوغست رودين كانت تحمل في الأصل عنوان الشاعر وكان من المفترض أن يكون جزءًا من تركيبة أكبر تسمى أبواب جهنم. المفكر في الواقع تمت إعادة تسميته من قبل عمال السباكة الذين وجدوا أوجه تشابه مع منحوتة مايكل أنجلو إيل بينسيروسو (المفكر) وأصبح عملاً فنياً مستقلاً. تم صب التمثال الشهير عدة مرات ، مع 28 مسبوكة كاملة الشكل ، على الرغم من أن العديد منها لم يتم صنعه خلال حياة رودان. يتشرف Mus & eacutee Rodin بعرض أول طاقم كامل لهذا الشكل ، وغالبًا ما يستخدم لتمثيل الفلسفة.

أشكال فريدة من الاستمرارية في الفضاء بواسطة Umberto Boccioni (1913 ، في عام 1931)

نافورة عن طريق دوشامب (1917)

نصب لنكولن التذكاري ، صممه دانيال تشيستر فرينش ونحته Piccirilli Brothers (1920)

صُمم هذا التمثال الرخامي ليبلغ ارتفاعه 10 أقدام ، وتم تكبيره إلى 19 قدمًا من الرأس إلى القدم. يصور لينكولن في التأمل ، جالسًا داخل هيكل المعبد المهيب الذي يشكل باقي نصب لنكولن التذكاري. منذ الثلاثينيات ، اكتسب الفضاء أهمية كرمز للعلاقات العرقية في الولايات المتحدة.

طائر في الفضاء بقلم كونستانتين برانكوسي (1923)

طائر في الفضاءهي سلسلة من المنحوتات لفنان روماني قسطنطين برانكوسيتم صب أولها عام 1923. سبعة منها مصنوعة من الرخام وتسعة مصبوبة من البرونز. بدلاً من التركيز على التصوير الجسدي لطائر ، أراد برانكوسي أن يصور شعورًا بالحركة. ينزع الحيوان من جناحيه وريشه ، ويطيل منقاره ووسطه ، ويظهر الشكل الأملس. يمثل التمثال احترافًا في التناسق والتناغم ، وقد سجل رقماً قياسياً في عام 2005 ، عندما تم بيعه في مزاد علني مقابل 23.5 مليون دولار. في ذلك الوقت ، كان رقمًا قياسيًا بالنسبة لقطعة من النحت. حاليًا ، النسخة الأصلية من الرخام موجودة في متحف متروبوليتان للفنون في نيويورك.

كلب البالون بقلم جيف كونز (1994-2000)

تحبينه ام تكرهينه، جيف كونز هو المسؤول عن بعض من أكثر الفنون التي لا تنسى في القرن العشرين. في عام 2013 ، حصل كلب البالون (البرتقالي)، المصنوع من الفولاذ المقاوم للصدأ مع طلاء شفاف ، سجل رقماً قياسياً لفنان حي عندما بيع في دار كريستيز بمبلغ 58.4 مليون دولار في عام 2013. جزء من سلسلة تحول حفل طفل مرح إلى منحوتة ضخمة ، ابتكر كونز أيضًا إصدارات أخرى في الأزرق والأرجواني والأحمر والأصفر.

مامان بواسطة لويز بورجوا (1999 ، يلقي في 2001)

يقف على ارتفاع أكثر من 30 قدمًا ، لويز بورجوامامان في Guggenheim في بلباو هي تحفة فنية تجمع بين القوة الجسدية والنفسية. هذا المنحوت المثير للإعجاب في حجمه ، ويرتبط بأم الفنان نفسها ، التي عملت على إصلاح المفروشات. نرى العنكبوت ، وهي تحمي بشدة كيسها المكون من 26 بيضة رخامية ، تثير الخوف من خلال حجمها ، ولكن الضعف من خلال الأرجل الشبيهة بالركائز ، والتي يمكن أن تنهار على ما يبدو في أي لحظة. العنكبوت هو موضوع متكرر في عمل بورجوا ، ظهر لأول مرة في الرسومات في عام 1947 واستمر طوال حياتها المهنية ، بما في ذلك منحوتة عام 1996 العنكبوت.

بوابة السحاب بقلم أنيش كابور (2004)

عندما لا يثير الجدل من خلال ترخيصه حصريًا للطلاء الأسود الأكثر سوادًا على هذا الكوكب ، أنيش كابور يشتهر بالنحت الذي يتصدر عناوين الصحف. من أشهر أعماله ، بوابة السحابفي Millenium Park بشيكاغو ، مستوحى من الزئبق السائل. فاز Kapoor بالعمولة بعد تقديمه لمسابقة تصميم ، وعلى الرغم من أن التصميم كان مثيرًا للجدل ويعتقد mdashmany أن التصميم السلس مستحيل الإنشاء والصيانة وأصبح mdashit الآن جزءًا محبوبًا من المدينة.


التاريخ السري للجمال: كيف اخترع اليونانيون أكبر فكرة للحضارة الغربية

بقلم ديفيد كونستان
تم النشر في 3 كانون الثاني (يناير) 2015 10:00 مساءً (EST)

تشارك

الكلمة الإنجليزية جمال غني لغويًا ، أي أنه يحتوي على مجموعة واسعة من المعاني والدلالات. في الحديث اليومي ، هذه ليست مشكلة: يمكننا تطبيق الاسم ، أو الصفة المقابلة جميلة ، على مجموعة كبيرة ومتنوعة من الأشياء التي لا يبدو أن لديها الكثير ، أو في الواقع أي شيء مشترك ، ومع ذلك فإننا نعرف جيدًا ما والمقصود. على سبيل المثال ، يمكننا التحدث عن امرأة جميلة ، وطفل جميل ، ولوحة جميلة ، ودليل رياضي جميل ، وصيد جميل في لعبة البيسبول. يمكن قول عبارة "هذا جمال" عن أي شيء تقريبًا على الإطلاق. في بعض الأمثلة السابقة ، قد نعني "جذابة" أو حتى "مثيرة" ، كما هو الحال عندما نستخدم المصطلح لوصف عارضة أزياء أو ممثلة في حالات أخرى ، فقد نعني شيئًا مثل "حسن التنفيذ" ، كما في حالة لعب جيد في المسابقات الرياضية. عندما يُنسب المصطلح إلى عمل فني ، فقد يشير المصطلح إلى التوازن أو التناسب ، أو بعض الصفة الأخرى التي نعتقد أنها جمالية في حالة الرياضيات ، ربما نعني أن الدليل أنيق لأنه هش ومضغوط ، أو مبتكر في طريقة. بشكل عام ، جميلة هو مصطلح استحسان ، ويعتمد معناه الدقيق على السياق. ومع ذلك ، يبدو أنه يحتفظ في معظم استخداماته ببعض الارتباط بالجاذبية ، ولا تتداخل دلالاته تمامًا أو بدقة مع تعبيرات الموافقة الأخرى مثل حسن أو بخير. عند التفكير ، يقود المرء بطبيعة الحال إلى التساؤل عما إذا كانت جميع التطبيقات المختلفة للجمال أو الجمال لها صفة أساسية مشتركة ، على الرغم من بعض الاستخدامات البعيدة أو الهامشية ، أو ما إذا كان المصطلح يشمل مجموعة من المتجانسات ، حيث العلاقة بين الحواس المختلفة إما رقيقة أو غير موجودة ، مثل حمام سباحة عندما يحمل الإحساس بجسم صغير من الماء ثم مرة أخرى عندما يشير إلى لعبة تشبه البلياردو.

أصبحت طبيعة الجمال سؤالًا فكريًا مركزيًا مع ظهور النظام المعروف باسم الجماليات في منتصف القرن الثامن عشر ، عندما تم صياغة الكلمة لأول مرة. أخذت الجماليات الجمال كمحافظة خاصة لها ، وقبل كل شيء في مجال الفن. لماذا كان يجب أن يكون هذا الاهتمام قد نشأ في ذلك الوقت ، وفي ألمانيا (أو ما يعرف الآن بألمانيا) على وجه الخصوص ، هي قضية مثيرة للاهتمام في تاريخ الفلسفة ، والتي سنعود إليها. من هذه النقطة فصاعدًا ، على أي حال ، كان على التفكير الجاد في الجمال أن يأخذ في الاعتبار المواقف النظرية المتطورة ومواجهة المفارقات أو الصعوبات التي نشأت نتيجة الطابع الشامل للمفهوم ، والذي غطى مجموعة كبيرة ومتنوعة من المفاهيم .

البحث الحالي تاريخي ويتطلع إلى فهم كيف نشأت مفاهيمنا الحديثة عن الجمال فيما يتعلق بالأفكار السائدة وحسابات الجمال في العصور القديمة الكلاسيكية ، بدءًا من الإغريق. من هذا المنظور ، ربما يكون المأزق الذي يظهر على الفور فيما يتعلق بطبيعة الجمال هو التنوع الواضح للأشكال التي يتخذها عبر أوقات وأماكن مختلفة. يتضح هذا فيما يتعلق بالشكل البشري ، الذي قد تختلف المثل العليا له حتى في فترة زمنية قصيرة نسبيًا: على مدى عدة عقود أخيرة ، ارتبط السحر بنماذج رفيعة جدًا بحيث تبدو وكأنها فقدان الشهية. كانوا سيثيرون نفورًا معينًا في الفترات التي اعتادوا فيها على شخصيات أكثر حماسة. تعد الممارسة الحالية المتمثلة في ثقب الجسم والوشم اختلافًا آخر في معايير الجمال ، مثل الشعر الطويل أو الرؤوس الحلقية تمامًا للرجال مقارنة بقصات الشعر قبل خمسين أو ستين عامًا (لست متأكدًا من أن الشباب يعرفون حتى ماذا "الجزء" هو ، بالنسبة إلى تصفيفة الشعر). كان لدى الإغريق القدماء أيضًا تفضيلاتهم ، والتي تباينت بلا شك بمرور الوقت وفي أماكن مختلفة. وينطبق الشيء نفسه على الرومان والإمبراطورية الشاسعة التي حكموها في النهاية. على الرغم من أنني أذكر ، عند الاقتضاء ، السمات (على سبيل المثال ، الطول) التي تم اعتبارها مساهمة في الجمال ، سواء أكان ذكرًا أم أنثى ، في العصور القديمة ، إلا أنها ليست الموضوع الأساسي لهذا الكتاب.

هل عرف الإغريق القدماء الفن؟

أقترح بدلاً من ذلك فحص أنواع الأشياء التي تم وصفها على أنها جميلة (هل غطى المصطلح نفس النطاق الواسع من الأشياء التي يستخدمها في اللغة الإنجليزية الحديثة؟) وما هو مفهوم الاستجابة النموذجية للجمال (ما الذي شعر به الناس أو فكروا في أنفسهم على أنه شعور ، عندما رأوا شيئًا أطلقوا عليه اسم جميل ؟). كما ذكرت ، فإن أحد المجالات المميزة التي يتم فيها تطبيق المفهوم الحديث للجمال هو المجال الجمالي ، أي كاستجابة أو علاقة بالفن. ومع ذلك ، فقد ادعى البعض - مع أي شرعية سنفحصها في الوقت المناسب - أن الإغريق القدماء لم يكن لديهم إحساس بالفن باعتباره مجال خبرة قائم بذاته ، أكثر مما كان لديهم كلمة لكلمة "أدب" بالطريقة التي نفهمها بها. اليوم. في الواقع ، هذا هو الرأي السائد اليوم. كما لاحظت إليزابيث بريتجون في كتابها عن استقبال الفن اليوناني القديم ، "لم يكن لدى المجتمع القديم ، وفقًا لوجهة نظر سائدة ،" تصور للفن مشابه لمفهومنا ". ونتيجة لذلك ، فإن رؤية المنحوتات القديمة ، على سبيل المثال ، كجزء من "سلسلة من الاستقبالات ، ليس فقط غير ذي صلة بسياقها المعاصر ، بل هو تزوير إيجابي." كما يقول بريتجون ، للعلماء اليوم "يبدو هذا مثل الفطرة السليمة" (Prettejohn 2012 ، 98). أُعطي هذا الرأي التعبير الأكثر تأثيراً في ورقة معروفة للمؤرخ البارز لعصر النهضة بول أوسكار.

كريستيلر ، الذي أكد أن "الكتاب والمفكرين القدامى ، على الرغم من مواجهتهم بأعمال فنية ممتازة وكانوا متأثرين تمامًا بسحرهم ، لم يكونوا قادرين ولا حريصين على فصل الجودة الجمالية لهذه الأعمال الفنية عن وظائفهم الفكرية والأخلاقية والدينية والعملية. أو المحتوى ، أو لاستخدام مثل هذه الجودة الجمالية كمعيار لتجميع الفنون الجميلة معًا أو لجعلها موضوع تفسير فلسفي شامل "(كريستيلر 1951 ، 506). وفقًا لكريستيلر ، ظهر فهم الفن كمجال مستقل فقط في القرن الثامن عشر ، متزامنًا مع ظهور علم الجمال الجديد.

من المؤكد أن هناك أصواتًا معارضة أيضًا. ربما كان أكثر النقاد ثباتًا لوجهة النظر المرتبطة بكريستيلر هو جيمس بورتر ، الذي قلب الجداول على صورة كريستيلر للمفهوم القديم بالسؤال: "هل هذا صحيح حتى لوصف حالة الفنون وتصنيفها في القرن الثامن عشر؟ مئة عام؟" لكن هذا لا يزال يترك مكانة الفن القديم في الهواء. يقتبس بورتر مقالًا مشهورًا أشار فيه سيمون جولدهيل وروبن أوزبورن إلى "وجود خطر في استخدام الكلمة العامة" فن "فيما يتعلق بالصور المرسومة على الفخار الكلاسيكي أو الأفاريز على المعابد ، على سبيل المثال ، طالما أن" الفروق الدقيقة الهامة في السياق قد أن تمحو. " تتمثل أطروحتهم الأساسية ، كما يقول بورتر ، في أن "مصطلح الفن يخاطر بتضليلنا في تعريف زائف لطبيعة الإنتاج الجمالي القديم تمامًا". إذا كانت هذه هي الحالة التي لم يكن لدى القدماء تصور فيها عن الفن يمكن مقارنته بمفهومنا ، فإن السؤال كما يقول بورتر: "هل يمكن أن نأمل يومًا في التعامل مع فنهم وفقًا لشروطه الخاصة؟ أو ما هو أسوأ من ذلك ، من أجل الوصول إلى الثقافة القديمة ، هل يجب علينا التخلي عن كل أمل في الاقتراب منها من خلال ما اعتدنا أن نطلق عليه فنها؟ " السؤال له تأثير مباشر على المفهوم القديم للجمال. لأنه إذا لم يكن لدى الإغريق القدماء فكرة عن "الفن" كما نفهمها ، فقد نتساءل عما إذا كان من المنطقي على الإطلاق التساؤل عما إذا كانوا يعتبرون الجمال سمة من سمات الفن نفسه بدلاً من الأشياء - سواء كانت بشرية أو غير ذلك - ممثلة في عمل فني.

إن مسألة ما إذا كانت مجالات الحياة التي نعتبرها مستقلة تم اعتبارها أيضًا بهذه الطريقة في الثقافات الأخرى وبشكل أكثر تحديدًا في العصور القديمة الكلاسيكية لا تقتصر على مسائل الفن أو الثقافة. تساءل بعض العلماء ، على سبيل المثال ، عما إذا كان من الصواب الحديث عن "اقتصاد" يوناني أو روماني قديم بمعنى مجال اجتماعي مستقل ومنظم ذاتيًا له قوانينه وتاريخه الخاصين. لقد جادلوا بالأحرى بأن التجارة والمعاملات الاقتصادية الأخرى كانت جزءًا لا يتجزأ من العلاقات الاجتماعية بشكل عام ، وفقط مع صعود الرأسمالية الحديثة ظهر الاقتصاد على هذا النحو ، ومتميزًا ومنفصلًا عن السياق الاجتماعي الأوسع الذي شمل الأسرة والممارسات الدينية والتشكيلات السياسية ، وهكذا دواليك. تم تحدي هذا الرأي أيضًا ، وقد رأى باحثون آخرون في الممارسات المصرفية والتأمينية القديمة أدلة كثيرة على النشاط الاقتصادي الصارم ، حيث استثمر الناس بهدف الربح والمكاسب والخسائر المحسوبة فيما يتعلق بقيم السوق. بذلت جهود في السنوات الأخيرة لتجاوز قطبية الاقتصادات المدمجة مقابل الاقتصادات المستقلة من خلال إيلاء اهتمام أكبر للسلوكيات المحلية ، والتي ربما تكون قد اختلفت من مكان إلى آخر أو حتى ضمن وظائف مختلفة في مجتمع واحد. لا يزال السؤال محل خلاف ، لكن النقاش نفسه هو تذكير مفيد بالحاجة إلى تجنب المفارقات التاريخية عندما نسعى لفهم المواقف والقيم والفئات الاجتماعية القديمة.

هل عرف الإغريق القدماء الجمال؟

لا يهتم هذا الكتاب بالجمال الفني في حد ذاته ، بل يهتم بالجمال بشكل عام ، والذي يتجاوز بالطبع مجال الفن. حتى بالمعنى الضيق نسبيًا حيث يتم تطبيقه على الأشياء الجذابة بصريًا ، لا يُنظر إلى الجمال فقط في اللوحات والمنحوتات ولكن أيضًا في العناصر التي يصنعها الإنسان مثل السيارات والأثاث ، والتي لن نصنفها بالضرورة على أنها أعمال فنية. ومع ذلك ، من الصعب تحديد مكان ترسيم الحدود بين "الفن" و "التصميم". لكن الجمال قبل كل شيء - وبشكل أساسي في بعض النواحي - هو سمة من سمات الشكل البشري ولأشياء معينة في العالم الطبيعي. نحن لا نصنفها عادةً تحت عنوان الفن ، على الرغم من أن مفاهيمنا حول شكل المرأة الجميلة أو المناظر الطبيعية الجميلة قد تتأثر أيضًا بالحيلة ، من خلال مستحضرات التجميل وصناعات الأزياء أو صور الحدائق المزروعة والمناظر الريفية.وهكذا كتب ليسينج في أطروحته الكلاسيكية عن الشعر والرسم: "إذا كان الرجال الجميلون يصنعون تماثيل جميلة ، فإن هذه التماثيل بدورها تؤثر على الرجال ، وبالتالي فإن الدولة تدين بفضل التماثيل الجميلة للرجال الجميلين". إذن ، فإن سؤالنا هو ما إذا كان لدى الإغريق القدماء مفهوم محدد جيدًا للجمال بشكل عام ، حتى لو لم "يستخدمون مثل هذه الجودة الجمالية كمعيار لتجميع الفنون الجميلة معًا ،" على حد تعبير كريستيلر. قد يبدو أن الإغريق يفتقرون إلى فكرة الجمال أقل احتمالًا من أنهم فشلوا بطريقة ما في تحديد المفاهيم الأكثر تجريدًا للفن أو الاقتصاد ، والتي تعتمد في النهاية على تطوير ممارسات اجتماعية معينة قد لا تكون مشتركة بين جميع الثقافات. . يمكننا أن نفهم ، على سبيل المثال ، أن أقنعة الطقوس التي ننظر إليها في المتاحف ربما لم يتم إنتاجها لغرض جمالي في الاعتبار ولكنها كانت تهدف إلى خدمة وظيفة دينية ، ومن المتصور أن الصور في معبد كلاسيكي أو على المذبح في تم تخيل الكنيسة على أنها مصدر إلهام بخلاف الاستجابة الجمالية - على الأقل في المقام الأول. كذلك ، بينما قد نفكر في تبادل السلع على أنه مالي بحت ، يمكننا التعرف على السياقات الأخرى التي تهدف فيها مثل هذه المعاملات في المقام الأول إلى تعزيز التضامن وربما كانت الشكل المهيمن للتبادل.

لكن يبدو أن الجمال هو تجربة أساسية للبشر في أي مجتمع ، قديمًا كان أم حديثًا. هل يمكن أن تكون هناك ثقافة ليس لديها مثل هذا المفهوم ، أو لا يوجد مصطلح للتعبير عنه؟ قد يبدو هذا غير مرجح أكثر في حالة اليونان القديمة ، بفنها الرائع الذي وضع حتى يومنا هذا المعيار لما نتخيله ليكون التمثيل المثالي للشكل البشري. كما لاحظ مايكل سكوير ، "سواء أعجبك ذلك أم لا - وكانت هناك العديد من الأسباب لعدم الإعجاب به - فقد زودت العصور القديمة القالب لجميع المحاولات اللاحقة للتعرف على جسم الإنسان ومعرفة ذلك" (سكوير 2011 ، 11). ويضيف: "لأن الفن اليوناني الروماني منحنا مفاهيمنا الغربية للتمثيل" الطبيعي ". . . لا تشبه الصور القديمة صورنا الحديثة فحسب ، بل تشبه أيضًا العالم "الحقيقي" من حولنا "(xiii). هل يمكن أن يفتقر الإغريق حقًا إلى فكرة الجمال؟

قد يبدو الأمر مفاجئًا ، حيث تساءل العلماء البارزون في الواقع عما إذا كانت أي كلمة في اليونانية الكلاسيكية تتوافق مع الفكرة الحديثة للجمال. لا يعني عدم وجود مصطلح محدد ، بالطبع ، بالضرورة أن المفهوم نفسه كان مفقودًا: فاللغات ، بما في ذلك لغتنا ، تلجأ إلى إعادة الصياغة بعد كل شيء ، وقد نتعرف ونستجيب لفئات من الأشياء التي لا نملكها خاصة. اسم. إن ما يسمى بفرضية Whorf-Sapir ، والتي وفقًا لمفردات وهيكل لغة معينة لا تؤثر فقط على كيفية إدراك المتحدثين لها للعالم ، بل تحددها بدقة في الواقع ، بالكاد يمكن الدفاع عنها في أشد أشكالها صرامة ، الأمر الذي من شأنه أن ينكر أن الناس يمكنهم حتى تصور فئة من الأشياء ليس لها اسم في لغتهم. قدم إدوارد ت. إرميا مؤخرًا ما يسميه "نسخة أكثر اعتدالًا" من الأطروحة التي يجب أن تكون "غير مثيرة للجدل". يكتب ، "ما لا تحتوي الثقافة على كلمة له ليس مهمًا بالنسبة لهم كموضوع استفسار أو دلالة اجتماعية وثقافية" (إرميا 2012 ، 12). ومع ذلك ، قد لا يكون الأمر أقل إثارة للصدمة ، أن نكتشف أن الجمال لم يكن ذا أهمية بالنسبة لليونانيين القدماء باعتباره "دلالة اجتماعية ثقافية" ، أي مصطلح مشحون بمعنى وقيمة محددين في نظرتهم إلى العالم.

سوف نتناول في الوقت المناسب مسألة ما إذا كانت هناك كلمة لكلمة "جمال" أو "جميلة" في اليونانية واللاتينية الكلاسيكية. في الوقت الحالي ، اسمحوا لي أن أريح القارئ وأكشف أنه على الرغم من التحفظات التي أبدها العلماء الجادون حول هذا الموضوع ، سأجادل بأن هناك بالفعل مصطلحًا لكلمة "الجمال" باللغة اليونانية ، والأكثر من ذلك ، أنه تقدير مناسب من معناه واستخدامه ما يخبرنا به عن أفكارنا الخاصة عن الجمال. هذه النقطة تتطلب الجدل ، لأنها لو كانت بديهية ، فلن تكون كذلك وبقيت بالفعل مثيرة للجدل. لكن قبل معالجة هذا الجدل بشكل مباشر ، حتمًا من خلال فحص المفردات اليونانية القديمة ، يجدر النظر في بعض المشكلات التي تكتنف فكرة الجمال في تطبيقاتها الحديثة. لأن فكرة الجمال ، كما نستخدمها ، ليست فكرة بسيطة أو بريئة كما قد تبدو. إذا تبين أن الجمال يمثل مفهومًا إشكاليًا بالنسبة لنا ، فقد يكون من غير المفاجئ اكتشاف أن بعض الثقافات قد تصنع أداءً جيدًا بدونه أو - إذا كان لديها مثل هذه الفكرة (كما أعتقد أن الإغريق القدماء فعلوا) - قد تحدد ونفهمها بطرق مختلفة بما فيه الكفاية عن تلك التي نواجهها لإلقاء بعض الضوء على الصعوبات التي نواجهها وربما على طرق حلها أو التحايل عليها. فيما يتعلق باليونانيين على وجه الخصوص ، قد نكون قادرين على رؤية كيف ظهر المفهوم الحديث للجمال ، مع أي عبء من التناقضات والتوترات التي يحملها ، في المقام الأول ، لأن الأعمال الفنية اليونانية والأفكار اليونانية حول الفن كان لها تأثير هائل على التقاليد الغربية ، حتى لو أسيء فهمها في بعض الأحيان (لا يعني هذا بالضرورة أن هذا أمر فظيع: سوء الفهم هو أحد المصادر العظيمة للإبداع).

مقتبس من "الجمال: ثروات فكرة يونانية قديمة" بقلم ديفيد كونستان. حقوق النشر © 2014 بواسطة David Konstan. أعيد طبعه بالتنسيق مع مطبعة جامعة أكسفورد ، إحدى أقسام جامعة أكسفورد. كل الحقوق محفوظة.


موسوعة الفن الفنون البصرية للرسم | نحت | هندسة معمارية التصوير | سيراميك وحرف أخرى

ما هو الفن؟
كيف يتم تعريف الفن وتصنيفه؟ ما الفرق بين الفنون الجميلة والزخرفية والفنون التطبيقية؟ ما الفرق بين الفنون والحرف اليدوية؟ ما الفرق بين التمثيلية و فن تجريدي؟ ما هي الجماليات؟ ما هي المواد الجاهزة؟ ما هو الفن غير المرغوب فيه؟ للحصول على إجابات لهذه الأسئلة وغيرها ، انظر: تعريف الفن ومعنى. من أجل diptychs المسيحية ، واللوحات الثلاثية ، والمذابح متعددة الألوان ، والأيقونات الأرثوذكسية الشرقية ، ومخطوطات الإنجيل المضيئة ، انظر: الفن المسيحي. لجميع الأعمال الفنية المشتقة من العهد القديم أو الجديد للكتاب المقدس ، انظر: فن الكتاب المقدس. للحصول على دليل للأعمال الفنية المقدسة بشكل عام ، انظر: الفن الديني. لمزيد من المعلومات حول تقنيات الطباعة مثل النقوش الخشبية أو عمليات النقش أو النقش المائي أو الطباعة المائية أو النقش أو النقش أو النقطة الجافة أو النقش أو الطباعة الحجرية والاستنسل والخط السلكي والشاشة الحريرية ، راجع الطباعة.

تشمل الأشكال الفنية الأخرى المغطاة أنواعًا مختلفة من الرسم و رسم، وكذلك الرسوم المتحركة ، والهندسة المعمارية ، والتجميع ، والخط ، والكاريكاتير ، والسيراميك ، والكولاج ، والمفاهيم ، وفن الكمبيوتر الرقمي ، والكتابة على الجدران ، والفن الجرافيكي ، والتوضيح ، والتركيبات ، والأداء ، والأعمال المعدنية ، والفسيفساء ، والتصوير ، والفخار ، والنحت ، والرسم ، والزجاج الملون ، المنسوجات وتصميم المنسوجات والفيديو وأنواع عديدة من التصميم الفني والمزيد.

& # 149 لمزيد من المعلومات ، انظر أنواع الفن.
& # 149 للحصول على إجابات للأسئلة الشائعة ، انظر: أسئلة فنية.

أعظم الرسامين في العالم (1300-1800)
اقرأ السير الذاتية لجميع الأساتذة القدامى الأوروبيين العظماء ، مثل: المصورون القوطيون مثل جان بوسيل وليمبورغ براذرز الذين يقودون رسامي لوحات الأيقونات مثل ثيوفانيس اليوناني ورسامي أندريه روبليف سينيس مثل دوتشيو دي بونينسيجنا الفلمنكيين مثل يان فان إيك وروجر فان دير Weyden و Hans Memling الرسامين الهولنديين مثل Hieronymus Bosch ، بالإضافة إلى الفنانين الألمان الأوائل مثل Albrecht Altdorfer و Durer و Holbein. نحن نحلل أعظم لوحات عصر النهضة بواسطة جيوتو وماساتشيو وبوتيتشيلي وليوناردو دافنشي وكوريجيو ورافائيل وتينتوريتو. نقوم بتكوين ملف تعريف Mannerists مثل Paolo Veronese ، وعلماء المنمنمات مثل Nicholas Hilliard ، ومدرسة Bolognese في Annibale Carracci ، وأساتذة الرسم الباروكي مثل Rubens ، و Caravaggio ، و Velazquez ، وكذلك مدرسة Ribera Neapolitan ، ورسامي اللوحات الجدارية الخادعة مثل Pietro da Cortona و أندريا بوزو. نحن نحدد الواقعيين الهولنديين مثل Rembrandt و Jan Vermeer بالإضافة إلى رسامي عرض القرن الثامن عشر مثل Canaletto و Rococo الرسامين مثل Boucher و Fragonard Neoclassists مثل Jacques-Louis David و Romantics مثل Goya.

& # 149 للحصول على قائمة مرتبة زمنياً للرسامين حسب الحركة ، انظر: السادة القدامى.
& # 149 للحصول على قائمة مجمعة من الرسامين والنحاتين ، انظر: الفنانون المرئيون: أعظم.

هل تبحث عن تفاصيل عن فنان معين؟
استخدم مؤشرنا الرئيسي السهل من الألف إلى الياء

الذين هم
أفضل حديث
الفنانين؟

للسير الذاتية لـ
أعظم
ما قبل الرفائيلية،
الانطباعيون
والرموز ،
لطفا أنظر:
مشاهير الرسامين

من فاز
جائزة تيرنر؟

لمعرفة من
يحمل العالم
أعلى جائزة
فن معاصر،
لطفا أنظر:
الفائزون بجائزة تيرنر

أفضل الرسامين المعاصرين (حوالي 1700 حتى الوقت الحاضر)
نقوم بتشكيل جميع أسياد القرن الثامن عشر العظماء اللوحة التصويرية الإنجليزية، مثل ويليام هوغارث وجوشوا رينولدز ، وكذلك جميع الأعضاء الرئيسيين في مدرسة رسم المناظر الطبيعية الإنجليزية بما في ذلك جي إم دبليو تورنر وكونستابل وريتشارد باركس بونينجتون. نحن نغطي أيضًا المدرسة الأمريكية في القرن الثامن عشر ، والتي يمثلها رسامو البورتريه بنجامين ويست ، وجون سينجلتون كوبلي ، وجيلبرت ستيوارت ، واليابانيون أوكييو إي الفنانين ، مثل Hokusai و Hiroshige.

نحن نقدم السير الذاتية لجميع التخصصات رسامي القرن التاسع عشر بما في ذلك: أساتذة من مدرسة باربيزون الفرنسية للمناظر الطبيعية ، مثل Corot و Theodore Rousseau و Millet و Daubigny ، بالإضافة إلى الرسامين الأمريكيين من مدرسة Hudson River School (Thomas Cole ، Frederic Church) ودعاة اللمعان. يتم أيضًا تغطية الواقعيين مثل Daumier و Courbet ، والرمزيين مثل Gustave Moreau. نقوم بتشكيل كل العظماء الرسامين الانطباعيين وجميع الرسامين في مرحلة ما بعد الانطباعية مثل جورج سورات وفان جوخ وغوغان وسيزان ومونش. نحن نحدد ملف Jules Cheret ، مخترع الطباعة الحجرية الملونة من 3 أحجار ، وكذلك جميع الفنانين الروس العظماء حتى عام 1917 ، بما في ذلك الصائغ بيتر كارل فابيرج ، مبتكر فابرجيه بيض عيد الفصح الرائع.

& # 149 للأعمال السردية أو التاريخية أو الأسطورية ، انظر: أفضل رسامي التاريخ.
& # 149 للصور الفردية والجماعية والذاتية ، انظر: أفضل فناني بورتريه.
& # 149 للمشاهد اليومية ، انظر: أفضل الرسامين النوع.
& # 149 للإطلالات والآفاق ، انظر: أفضل فناني المناظر الطبيعية.

نحن ملف تعريف جميع الكبرى رسامي القرن العشرين، بما في ذلك Fauvists مثل Matisse و Andre Derain Expressionists مثل Modersohn-Becker و Kandinsky و Emil Nolde و August Macke و Klee Chagall و Modigliani من مدرسة Paris School Cubists مثل Picasso و Braque Dadaists مثل Marcel Duchamp Surrealists مثل Dali و Magritte والرسامين التجريديين مثل Mondrian وماليفيتش وموهولي ناجي. نحن نغطي جميع الفنانين الأمريكيين المهمين مثل هوبر ، وروثكو ، ودي كونينج ، وبولوك ، وارهول ، وجاسبر جونز ، ونحات نيو بوب جيف كونز ، بالإضافة إلى الجداريات المكسيكية مثل دييغو ريفيرا ، وأمريكا الجنوبية مثل فرناندو بوتيرو ، والقرن العشرين أساتذة أوروبيون مثل لوسيان فرويد وأنتوني تابيز وإيف كلاين وداميان هيرست.

تاريخ الفن
تغطيتنا ل فن ما قبل التاريخ يضم أقدم فن من جميع أنحاء العالم. يعود تاريخها إلى العصر الحجري القديم الأدنى من العصر الحجري بين 290.000 و 700.000 قبل الميلاد ، وهي تتضمن ظاهرة غريبة هي القباب ، الزهرة الزهرية. بريخات رام و طانطان، والنقوش الحجرية في كهف بلومبوس. بالإضافة إلى ذلك ، نحن ميزة تماثيل فينوس (فينوس هوهل فيلس, فينوس ويليندورف) ، سلسلة واسعة من المقالات حول فن الكهوف - بما في ذلك لوحات الكهوف في Chauvet و Lascaux و Altamira ، والمنحوتات العاجية مثل أسد رجل من Hohlenstein Stadel، إلى جانب الفخار القديم، لوحات الأشعة السينية الأسترالية للسكان الأصليين وبرادشو. ارى: الجدول الزمني لفن ما قبل التاريخ.

هل تريد أن تعرف عن STONE AGE ART؟
استخدم مؤشرنا السهل من الألف إلى الياء لفن ما قبل التاريخ

نستكشف مجموعة من الفن القديم من مجموعة متنوعة من الحضارات. بدءًا من فن بلاد ما بين النهرين (حوالي 4500 قبل الميلاد وما بعده) ، فإنه يشمل النحت واللوحات الجدارية العصور الكلاسيكية القديمة، ولا سيما من الفن اليوناني و الفن الروماني. عن تاريخ الفن الآسيوي والثقافة ، انظر الجدول الزمني للفن الصيني (حوالي 18000 قبل الميلاد - حتى الآن). من عام 450 بعد الميلاد ، قمنا بتغطية الفسيفساء والأيقونات الدينية للعصر البيزنطي ، تليها إحياء البلاط الملكي للسلالات الكارولنجية والأوتونية. نحن أيضا نلقي نظرة فاحصة على الفن قبل الكولومبي (حوالي 1200 قبل الميلاد - 1535 م). من 1000 م ، نتتبع تطور العمارة والنحت في العصور الوسطى خلال الفترتين الرومانية والقوطية ، بينما يتم استكشاف الرسم من خلال مدرسة سينيس و القوطية الدولية الأنماط. نفسر الفرق بين تريسينتو, كواتروسينتو و سينكويسينتو لوحات. في نفس الوقت الإيطالية فن عصر النهضة يتلقى تغطية متعمقة ، كما هو الحال في القرن السابع عشر فن الباروك، والقرن الثامن عشر الفن الكلاسيكي الحديث. بالإضافة إلى ذلك ، ننظر أيضًا في تاريخ الحرف ، مثل المجوهرات والأثاث الفاخر.

دليلنا إلى الفن الحديث يسرد جميع اتجاهات ومدارس العصر الحديث. تشمل الأساليب المهمة التي تم استكشافها ما يلي: الانطباعية (1874-1884) ، مابعد الانطباعية (1880-1900) ، Fauvism (1905-7) ، التعبيرية (1905-14), التكعيبية (1908-14), السريالية (1923 حتى الآن) و فن البوب (الستينيات). نفسر معنى أنماط مثل "الواقعية" و "الطبيعية" في الرسم. بالإضافة إلى ذلك ، نقوم بتشكيل مجموعات مهمة في القرن العشرين مثل يموت بروك و دير بلاو رايتر، ودراسة مساهمة أساليب مثل Japonism و Biomorphic Abstraction ، وكذلك الحركات الحديثة مثل الفن انفورل, الرسم الميداني اللون, أب الفن و Fluxus، وأحدث أشكال الفن المعاصر مثل Angel and Fantasy art.

هل تريد معرفة تاريخ حركة معينة؟
انظر: الجدول الزمني للفن

إجابات على
أسئلتك

في هذا القسم
نحن نقدم الأخبار و
حقائق أو إجابات على
أسئلة شائعة
عن الرسم
النحت ، أو
هندسة معمارية.

أخبار ومقالات عن الفنانين والحركات

فيليبس وويرمانز (1619-168): الرسام الهولندي الواقعي
تلقى ابن وتلميذ الرسام Paulus Joosten Wouwermans ، فيليبس دروسًا من فنان البورتريه الهولندي الواقعي العظيم فرانس هالس (1582-1666) ، وكذلك من رسام الفروسية بيتر فيربيك (1610-1654) ، الذي كان سيحصل على نفوذ دائم عليه. تعود أقدم أعماله إلى عام 1646. ومن بينها & quot؛ Cavalry Making a Sortie & quot (المعرض الوطني ، لندن) ، رسمت بمناولة جميلة ومجانية من طراز "ما قبل الروكوكو" بأسلوب نيكولاس بيترسون بيرتشيم (1620-1683). تكشف هذه اللوحات عن فن نضج بالفعل وشكل بشكل مثالي. إلى جانب تأثير بيتر فيربيك ، أصبح Wouwermans أيضًا تحت تأثير Pieter van Laer (1599-1642) ، منشئ النوع الإيطالي الشهير من Bambocciante (لوحات النوع للطبقات الدنيا) - على الرغم من أنه في الواقع ، هو الآن من المعروف أن فان لاير عمل كثيرًا على المناظر الطبيعية واللوحات الحيوانية ، وكان متقدمًا بشكل مدهش في وقته. خلال ثلاثينيات القرن السادس عشر ، قدم فان لاير مفهومًا كاملاً للمناظر الطبيعية الريفية الإيطالية ، مع شخصيات متحركة كبيرة بمهارة وتعديلات مرنة للضوء تم التقاطها بين عامي 1640 و 1650 من قبل عدد من الرسامين الهولنديين بما في ذلك Wouwermans و Berchem و Jan Baptist Weenix (1621- 60). توفي Wouwermans نفسه عن عمر يناهز 48 عامًا ، لكنه ترك أكثر من 1000 لوحة ، والتي تم الإعجاب بها ونسخها ونقشها ، خاصة في فرنسا في القرن الثامن عشر. كان محاطًا بالتلاميذ ومجموعة من المقلدين ، وكان يُعتبر أحد أعظم الأسماء في الرسم الهولندي في عصره. كرسام للمناظر الطبيعية ، أظهر نفسه كواحد من أكثر الفنانين الموهوبين في دائرة هارلم. مثل Jacob van Ruisdael (1629-1682) ، كان مولعًا بمناظر الكثبان الرملية التي تلتقط الضوء وتبرز بشكل رائع مقابل السماء الملبدة بالغيوم. تم وضع الجهاز الشهير للكثبان الرملية قطريًا عبر اللوحة القماشية ، والذي استخدم كثيرًا في المناظر الطبيعية لـ Jan Jansz Wynants (1632-1684) ، Adriaen van de Velde (1636-72) و Ruisdael ، يبدو أنه نشأ مع Wouwermans ، وليس Wynants ، كما يُزعم كثيرًا. رسم Wouwermans العديد من المناظر الطبيعية أكثر مما كان يعتقد في وقت ما ، حوالي 200 في المجموع ، من بينها العديد من المشاهد الشتوية مع الجليد والمتزلجين ، وأفضل مثال على ذلك هو صورة جريسيلي الرائعة الموقعة في متحف ليون والتي كانت تُنسب لفترة طويلة إلى Adriaen Pietersz van دي فين (1589-1662). بالإضافة إلى المناظر الطبيعية وبعض اللوحات الدينية ، رسم Wouwermans مشاهد عسكرية: مناوشات وسلاح فرسان ، توقفات ، معسكرات عسكرية ، نزل أو اسطبلات (فرصة أخرى لتحقيق تأثيرات رائعة من chiaroscuro) ، ضفاف الأنهار أو الشواطئ مع الفرسان أو المشاة ، المغادرين والصيد مشاهد. من الصعب متابعة تطور أسلوب Wouwermans لأن القليل من الأعمال مؤرخة ، ولكن يبدو أنه يتحرك نحو لوحة أكثر إشراقًا وواضحة ومفصلة ومعقدة ، واللوحة البنية الدافئة لأعماله المبكرة تفسح المجال لتوافقيات أخف من الرمادي الفضي . تزداد الرسوم المتحركة ، في حين أن سماء المساء ، المليئة بالغيوم الدوامة ، والبناء الإيطالي المتقلب قليلاً والمسافات الزرقاء الدقيقة تكشف عن فن "روكوكو" بشكل متزايد ، غني وحساس ، يربطه بـ Weenix و Berchem. كان تأثيره كبيرًا ، فقد كان من بين تلاميذه أمثال هندريك بيركمانز ، وإيمانويل مورانت ، وجان فان دير بنت ، وكورت ويثولت ، وجاكوب وارنارز ، وأنتوني دي هاين ، ونيكولايس فيكي ، والنقش ، وهيندريك دي فرومانتيو ، وباريند جال ، وويليم شيلينكس ، و ربما كان Adriaen van de Velde ، وكذلك الألمان Jacob Weyer و Matthias Scheits. لمزيد من المعلومات حول الرسم الهولندي في القرن السابع عشر ، بالإضافة إلى مجموعة واسعة من المقالات المتعمقة حول الواقعية الهولندية ، بالإضافة إلى مؤشر MAIN A-Z السهل الخاص بنا.

القطع الفنية
محللة

تحقق من فهرسنا
عن المعنى
من اللوحات الرئيسية
مثل ال موناليزا
واشياء أخرى عديدة،
من الأعلى في العالم
الرسامين النفط و
ألوان مائية.

تلوين
تغطيتنا ل الرسم الفني الجميل تركز على وسيلة الرسم الزيتي ، لكننا نجيب أيضًا على الأسئلة المتعلقة بالسابق انكوستيك و تمبرا أساليب. القرن التاسع عشر ألوان مائية / جواش، والقرن العشرين دهانات اكريليك هي أيضا مغطاة ، وكذلك الرسم على الأشكال والرسم من الحياة. قسمنا على اللون في الرسم يتتبع بالضبط كيف تطورت أصباغ اللون الرئيسية ، ويحدد الخطوط العريضة لـ نظرية اللون، وكذلك الرئيسي لوحات الألوان من العصور القديمة فصاعدًا.

نحن ننظر إلى التاريخ والتنمية من الدهانات الزيتية حيث توسعت من مناطق المخمدات في شمال أوروبا إلى إيطاليا وإسبانيا ، وفحصت أيضًا طرقًا مثل buon في الهواء الطلق و mezzo-fresco الجداريات ، والمنظور الخطي. طرق مثل تشياروسكورو, تينبريسم، و إمباستو يتم فحصها أيضًا ، وكذلك تقنيات الرسم الآلي مثل فروتاج و ديكالكومانيا.

نقوم بتوصيف أنواع اللوحات الخمسة التي تشكل التسلسل الهرمي للأنواع كما تم تدريسها في أكاديميات الفنون الجميلة الرئيسية في أوروبا. هم (حسب الأهمية): (1) لوحة التاريخ (2) بورتريه (3) اللوحة النوع (4) مناظر طبيعية (5) باق على قيد الحياة.

برونزية
يصب

للحصول على دليل صغير
لطفا أنظر:
النحت البرونزي.

النحت
نحن نغطي أصول وتاريخ وتطور النحت من البرونز والحجر والرخام والبرونز والطين والخشب. اقرأ مقدمتنا النحت اليوناني أصبح بسيطًا تغطي العصور القديمة (600-500) ، والكلاسيكية (500-323) والهيلينستية (حوالي 323-27 قبل الميلاد) ، قرأت عن النقوش السردية الرومانية العظيمة مثل عمود تراجان. نقوم أيضًا بتصنيف أفضل النحاتين اليونانيين ، مثل Phidias و Polykleitos و Myron و Lysippos و Praxiteles ، بالإضافة إلى المنحوتات العتيقة الشهيرة مثل مذبح زيوس في بيرغامون، ال فينوس دي ميلو, لاكون وأبناؤه، و ال آرا باسيس أوغستاي، في روما. للحصول على مخطط زمني للفنون التشكيلية ، انظر: تاريخ النحت.

بالإضافة إلى ذلك ، نحن نغطي تماثيل الأعمدة وغيرها من الأعمال الحجرية المعمارية من قبل كبار البنائين الحجريين وعمال البرونز المرتبطين بـ نحت عصر النهضة الإيطالي، وكذلك منحوتات العصور الوسطى والرومانيسكية والقوطية. ننظر إلى تماثيل الفروسية ، الإغاثة الأساسية و راحة عالية منحوتات لفنانين مثل Lorenzo Ghiberti و Donatello و Andrea del Verrocchio ، جنبًا إلى جنب مع الرخام والبرونز لنحاتين مثل Michelangelo و Bernini و Antonio Canova و Rodin. نقوم أيضًا بتكوين أساتذة عظماء في القرن العشرين مثل Brancusi و Ossip Zadkine و Alexander Calder و Louise Bourgeois the Cubists Archipenko و Lipchitz من دعاة التجريد الحيوي مثل Jean Arp و Henry Moore التعبيريين مثل Jacob Epstein النحاتين التجريديين مثل Naum Gabo و David Smith الحد الأدنى مثل Donald Judd فنانون غير مرغوب فيهم مثل Arman و Cesar Baldaccini فناني الحركة مثل Jean Tinguely ، السريالي Giacometti ، فنان Pop Claes Oldenburg ، والنحاتون المعاصرون جوزيف بويز ، أنتوني جورملي ، ريتشارد سيرا وأنيش كابور.

& # 149 لمقال عن النظرية والمواد وأنواع الكائنات ثلاثية الأبعاد ، انظر: فن النحت.
& # 149 للحصول على قائمة من أفضل الأعمال ، انظر: أعظم المنحوتات على الإطلاق (33000 قبل الميلاد - حتى الآن).
& # 149 للسير الذاتية لأفضل الفنانين ثلاثي الأبعاد ، انظر: أعظم النحاتين. (500 قبل الميلاد - حتى الآن).

والهندسة المعمارية والتصميم
نحن نغطي تاريخ العمارة من أقدم الحضارات البشرية. هذا يتضمن مراجعة العمارة المصرية القديمة (3000 قبل الميلاد - 200 م) وكذلك العمارة اليونانية يتجسد في البارثينون (447-422) ، والعمارة الرومانية ، التي تتميز بأقواسها ، والقباب ، واستخدام الخرسانة ، والأقواس المرتفعة وفن الزجاج الملون العمارة القوطية، يتضح من العمارة الباروكية في كاتدرائية شارتر (القرن السابع عشر) التي تجسدها كاتدرائية القديس بطرس (1506-1626) وقصر فرساي (الذي بني حوالي 1624-98) العمارة الكلاسيكية الجديدة (القرن الثامن عشر) كما هو الحال في مبنى الكابيتول الأمريكي وواشنطن العاصمة العمارة الأمريكية (1600 حتى الآن) وناطحة السحاب المعمارية (1850 حتى الوقت الحاضر) ، والتي تأخذنا إلى مبنى برج خليفة دبي الذي يبلغ ارتفاعه 2717 قدمًا في الإمارات العربية المتحدة (2010) ، وبرج الحرية الذي يبلغ ارتفاعه 1776 قدمًا في نيويورك ، وكلاهما من تصميم سكيدمور وأوينجز وميريل.

قريبا هي علامتنا التجارية الجديدة من السير الذاتية على أعظم المهندسين المعماريين من جميع أنحاء العالم ، بما في ذلك: فيليبو برونليسكي ، دوناتو برامانتي ، بيرنيني ، توماس جيفرسون ، بنيامين لاتروب ، جيمس رينويك ، يوجين فيوليت لو دوك ، ويليام لو بارون جيني ، دانيال هدسون بورنهام ، دانكمار أدلر ، لويس سوليفان ، أنتوني غاودي ، والتر غروبيوس ، ميس فان دير روه ، لو كوربوزييه ، روبرت فنتوري ، إمبي ، السير نورمان فوستر ، إيرو سارينن ، فرانك جيري ، فضل الرحمن خان وآخرون.

فن التصوير
بالإضافة إلى أننا نحدد ملامح العالم أعظم المصورين (1880 إلى الوقت الحاضر) شارك في فن البورتريه والأزياء والمناظر الطبيعية والتصوير الفوتوغرافي للشوارع والتصوير الصحفي ، بما في ذلك أنسيل آدامز وريتشارد أفيدون وهنري كارتييه بريسون وأندرياس غورسكي وإيرفينغ بن ومان راي وإدوارد ستيتشن وألفريد ستيغليتز وجيف وول ، وغيرهم. الآخرين.

كل ما تحتاجه
يعرف عن
الفن الأيرلندي

نحن ننظر إلى الجوانب
من الفن السلتي ، مثل
السيوف والمجوهرات
عملات ، تصاميم
(متشابك ، عقدة
اللوالب والصلبان)
ميتالكرافت سلتيك
مثل مصوغة ​​بطريقة و
طلاء بالمينا
في أعمال مثل
ديرينافلان تشاليس.
ننظر إلى الإنجيل
إضاءات مثل
Cathach of St.
كولومبا وكتاب
دورو.

الفن الأيرلندي - التاريخ والتنمية
نتتبع المراحل العشر في تاريخ الفن الايرلندي. وتشمل هذه النقوش من العصر الحجري في الأعمال المعدنية نيوجرانج سلتيك مثل أرداغ تشاليس ، وبرويتر جولد تورك ، وبيتري كراون ، وتارا بروش ، بالإضافة إلى المخطوطات المسيحية المزخرفة مثل كتاب كيلز. بالإضافة إلى ذلك ، نقوم بتحديد ملامح المؤسسات الثقافية التي عززت نمو الرسم الأيرلندي ، مثل أكاديمية هيبرنيان الملكية (RHA).

ندرس أيضًا الحالة الحالية للفنون البصرية في أيرلندا ، وننظر إلى التراث المعماري والإرث الثقافي للينستر ، وكوناخت ، ومونستر ، وأولستر ، والمنظمات الشخصية المشاركة في الفن الايرلندي، مثل ال مجلس الفنون, ثقافة أيرلندا، بائعي المزاد بما في ذلك آدامز, وايت، و دي فيريس، بالإضافة إلى مدارس مثل NCAD في دبلن وكلية Cork's Crawford للفنون والتصميم.

أعظم الرسامين والنحاتين الأيرلنديين
تبدأ قائمتنا التي تضم أكثر من 300 ملفًا شخصيًا عن السيرة الذاتية لأعظم الفنانين الأيرلنديين مع Garret Morphy و Susanna Drury في القرن السابع عشر ، وتستمر حتى القرن الحادي والعشرين. نحن ننظر إلى مجموعة من مشاهير الفنانين الايرلنديين بما في ذلك جون لافيري ورودريك أوكونور وجاك بي ييتس وويليام أوربن وبول هنري وفرانسيس بيكون وويليام سكوت ولويس لو بروكي وآخرين. نقوم أيضًا بمراجعة مجموعات الفنانين مثل اوزدانا، بالإضافة إلى الفنانين الأيرلنديين المعاصرين الأكثر إثارة ، وفحص أفضل النحاتين الأيرلنديين بما في ذلك السريالي إف إي ماك ويليام ، والتصويرية روان جيليسبي ، وشبه المجرد إدوارد ديلاني ، وآخرين. لمزيد من التفاصيل ، انظر: النحت الأيرلندي.

فنون العالم
نحن أيضا نستكشف
فن الفايكنج
(على وجه الخصوص
جيلينج ، مومن ،
رينجريك وأمبير أورنيس
الأنماط) وكذلك
أعمال فنية يهودية
و الفن الإسلامي.

فن من جميع أنحاء العالم
نستكشف مجموعة واسعة من الوسائط والأساليب والأساليب الفنية المختلفة ، من مجموعة متنوعة من الثقافات في جميع أنحاء العالم. وهي تشمل الأشكال التاريخية وكذلك المعاصرة للتعبير الإبداعي ، من جميع القارات تقريبًا.

على سبيل المثال: انظر الفن الأفريقي، للحصول على دليل عن اللوحات الصخرية والنحت الأفريقي الكلاسيكي والأعمال الفنية الدينية والقبلية. ارى الفن السلتي، للأعمال المعدنية من هالستات و لا تيني الثقافة ، بالإضافة إلى أعمال التصميم الهندسي التجريدي. ارى الفخار الصيني، بالنسبة لأعمال الخزف والتراكوتا بما في ذلك الفخار الأسود المزجج وأنواع مختلفة من سيلادون للحصول على دليل عام ، انظر: الفن الصيني (حوالي 1700 قبل الميلاد إلى 2000 م). ارى فن مصري، للأعمال الفنية للمقابر - بما في ذلك اللوحات الجدارية والجداريات والنحت وتصميم الهرم الضخم. ارى الفخار اليوناني، لتصاميم السيراميك بما في ذلك النمط الهندسي والنمط الشرقي ونمط الشكل الأسود ونمط الشكل الأحمر. ارى الفن الياباني للحصول على دليل لفن المعبد البوذي ولوحة زن بالحبر ورسم ياماتو إي ورسم أوكييو-إي. ارى الفن الروسيلنحت عصور ما قبل التاريخ ورسم الأيقونات في العصور الوسطى وأعمال القرن التاسع عشر الرائعة من جمعية المعارض الفنية المتنقلة. بالإضافة إلى ذلك ، نحن نغطي الفن الاستعماري من أستراليا وأمريكا وكذلك الفن السائد الفن الأمريكي (حوالي 1750 حتى الآن). نحن نغطي أيضًا الفن الأصلي البدائي للمجتمعات القبلية في ألاسكا والأمريكتين وأفريقيا والهند ، بالإضافة إلى القطع الأثرية المحيطية من ميلانيزيا وبولينيزيا وميكرونيزيا وأستراليا.

أفضل المتاحف الفنية
نستكشف المجموعات والمقتنيات وتاريخ المتاحف الكبرى في العالم.

نحن نحدد أفضل المتاحف الفنية في أمريكا، بما في ذلك متحف الفنون الجميلة في بوسطن ، ومتحف إيزابيلا ستيوارت غاردنر ، ومعهد شيكاغو للفنون ، ومعهد ديترويت للفنون ، ومجموعة فريك ، ومتحف متروبوليتان / MoMA / Samuel R Guggenheim / متحف ويتني (جميعها في نيويورك) ، ومركز Getty Center LA ومتحف فيلادلفيا للفنون والمعرض الوطني بواشنطن العاصمة ومجموعة فيليبس وغيرها الكثير. نحن أيضًا نحدد أفضل المتاحف الفنية في أوروبا، مثل متحف اللوفر ومتحف أورسيه ومركز بومبيدو في باريس ومعرض أوفيزي في فلورنسا ومتاحف الفاتيكان في روما ومتحف برادو في مدريد ومجموعة تيت / المعرض الوطني / متحف فيكتوريا وألبرت / معرض ساتشي (كلها في لندن) ، ومتحف هيرميتاج في سانت بطرسبرغ ، ومتحف بوشكين ومعرض تريتياكوف في موسكو ، وغير ذلك الكثير. للحصول على دليل عام ، انظر: أفضل المتاحف الفنية.

التربية الفنية والتقدير
كدليل تمهيدي للطلاب والمعلمين ، نقدم عددًا من مقالات التقدير الفني ، مثل: تقييم الفن: كيف تقدر الفن و كيف تقدر النحت، من بين أمور أخرى. نحن نغطي أسئلة مثل & quot كيف نقيم الموضوع والتكوين والخط والشكل واللون والملمس وفرشاة اللوحة؟ & quot & quothow للحكم على الخلفية / سياق العمل؟ & quot & quothow لتقدير الفن التجريدي؟ & quot وأكثر من ذلك بكثير. انظر أيضا سلسلتنا الجديدة تحليل اللوحات الحديثة (1800-2000).

تحليل اللوحات الشهيرة
بالإضافة إلى ذلك ، نقدم سلسلة واسعة من المراجعات للوحات الشهيرة لأعظم الأساتذة القدامى. وهي تشمل روائع من عصر النهضة والباروك ، مثل: معركة سان رومانو (باولو أوشيلو) صورة Arnolfini (جان فان إيك) الرثاء على المسيح الميت (أندريا مانتيجنا) ذا بورتيناري ألتربيس (هوغو فان دير جويس) العشاء الأخير و موناليزا (ليوناردو) مدرسة أثينا و سيستين مادونا (رافائيل) إيزنهايم ألتربيس (ماتياس جرونوالد) اللوحات الجدارية كنيسة سيستين (مايكل أنجلو) افتراض العذراء (تيتيان) الصيادون في الثلج (بيتر بروغل) العشاء في عمواس (كارافاجيو) الحراسة الليلية و درس التشريح للدكتور نيكولاس تولب (رامبرانت) الفتاة صاحبة حلق اللؤلؤ (جان فيرمير) ، الحج إلى Cythera (جان أنطوان واتو) وآخرون كثيرون. لمزيد من التفاصيل ، انظر: اللوحات الشهيرة: التحليل والتفسير.

ابحث عن مقالاتنا الجديدة حول تقنيات الرسم مثل ، التقصير المسبق ، ترومبي لويل، المنظور الخطي، كوادراتورا, سفوماتو، و جريسيلي. ابحث أيضًا عن سلسلتنا القادمة على تصوير الفنون الجميلة، وكذلك تصميم القرن العشرين ، الذي يتميز بأنماط زخرفية مثل آرت نوفو ، آرت ديكو و باوهاوس، بالإضافة إلى الرسومات الخيالية للقرن الحادي والعشرين.

هل تبحث عن معلومات حول موضوع معين؟
استخدم مؤشرنا الرئيسي من الألف إلى الياء


شاهد الفيديو: روائع من النحت اليوناني والروماني (قد 2022).


تعليقات:

  1. Camron

    مثيرة للاهتمام وغنية بالمعلومات ، ولكن هل سيكون هناك شيء آخر في هذا الموضوع؟

  2. Garland

    إنه لأمر مؤسف ، الآن لا أستطيع التعبير - إنه مشغول للغاية. سأطلق سراحي - سأعرب بالضرورة عن الرأي.

  3. Archibaldo

    تبدو جذابة

  4. Kajinris

    نشر أحد معارفه في ICQ رابطًا لمدونتك. اتضح أنه لم يعجبني دون جدوى. الآن سأقرأ باستمرار

  5. Cyprian

    سيكون هذا فكرة مختلفة بالمناسبة



اكتب رسالة